哪位朋友能告诉我什么样的音乐是爵士乐吗?

乡村音乐和爵士音乐介绍[0905]

一、乡村音乐的诞生

乡村音乐（Country Music）出现于20世纪20年代，它来源于美国南方农业地区的民间音乐，最早受到英国传统民谣的影响而发展起来。最早的乡村音乐是传统的山区音乐（Hillbilly Music），它的曲调简单、节奏平稳，带有叙述性，与城市里的伤感流行歌曲不同的是，它带有较浓的乡土气息。山区音乐的歌词主要以家乡、失恋、流浪、宗教信仰为题材，演唱通常以独唱为主，有时也加入伴唱，伴奏乐器以提琴、班卓琴、吉他等（50年代中期以前，传统的乡村音乐乐队里没有鼓）为代表。演出场所主要在家里、教堂和乡村集市，有时也参加地区性巡回演出。它与大城市的文化生活相隔离，一直处于自我封闭状态。

20世纪20年代，有些电台为了迎合农村听众的口味，开始播放山区音乐，如芝加哥的"民族谷仓舞"（National Barn Dance）节目（1924），纳什维尔的"老式大剧院"（Grand old Opry）节目（1925）等，很受欢迎。这种做法鼓励了山区音乐的乐师去电台录音，也激发了唱片公司去各地发现人才、录制唱片。从此，山区音乐开始汇入美国流行音乐的主流，并涌现出最早的一批乡村歌手，如吉米罗杰斯和"卡特家族"演唱组。

吉米罗杰斯（Jimmie Rodgers，1897～1933）融合了布鲁斯、白人山区歌谣（Yodels）以及民谣（Folk）等多种音乐风格，被认为是乡村音乐的开创者，并冠以"乡村音乐之王"的称号。他的歌唱从容、悠然，并且发展了一种独特的、真假声来回转换的山区民间唱法："蓝色的约得尔唱法"（blue yodel）。虽然他一生饱受肺病的折磨，但是始终没有放弃过对乡村音乐的执著。从1929年，到1933年罗杰斯共录制了一百一十首歌曲，1933年5月26 日，在刚录完音的两天后正值盛年的吉米罗杰斯因病情恶化而去世。

"卡特家族"（The Carter family，由Alvin Carter，1891～1960，和他的妻子、弟媳妇三人组成）以一种安逸、谐和的曲风和着眼于家园、上帝和信仰等题材而赢得了听众的喜爱。对于像"卡特家族"这样的艺人，演唱只是一种业余的谋生方式。但是在乡村音乐的初始阶段，他们的确为乡村音乐的发展做出了巨大的贡献，同时也为早期乡村音乐留下了宝贵的录音资料。

二、西部摇摆

20世纪30年代，由于美国东南部经济的不景气，使得唱片销量急剧下降，乡村音乐只能通过大量的广播节目而维持它的听众。此时出现了一种现象，原来的演唱组逐渐被个人演唱所替代。如罗伊阿卡夫（Roy Acuff）、简尼奥崔（Gene Autry）等人成了这时的焦点人物。在这种背景下，来自德克萨斯的鲍勃韦尔斯（Bob Wills）在乡村音乐中融入了大量的西部牛仔歌曲（一种来自乡间的浪漫情歌）和摇摆乐的成分，创造了一种类似"大乐队"阵容的西部摇摆（Westenng）风格。1933年，鲍勃韦尔斯将这种集合了舞蹈节奏、提琴音色、大乐队阵容、爵士唱法和架子鼓、失真吉它的新型风格成功地推向了市场，从而使其获得了"西部摇摆之王"的称号。

三、 蓝草音乐

20世纪40年代，在肯塔基州的山区还出现了乡村音乐的另一个分支，叫蓝草音乐（Bluegrass Music）。它在乡村音乐的基础上，吸收了当地古老的玉米脱粒晚会上的班卓音乐和提琴音乐，以及南部山区的叙事歌曲等因素发展而成。

蓝草音乐的演唱一般都是多声部的，除主旋律声部外，往往还在上方用假声叠置一个和声声部，有时还在主旋律下方加上一两个低音声部。它的伴奏乐器以班卓琴和提琴而独具特色，有时还采用曼陀林、低音提琴等民间乐器，传统乡村音乐没有架子鼓的特点也在蓝草音乐中得到了保留。蓝草音乐的速度一般都比较快，每分钟160-330拍左右。

蓝草音乐在发展过程中受到爵士乐的影响，常在器乐段落中出现比较华丽的即兴独奏。70年代，当其他乡村音乐普遍采用电声乐器时，他们仍采用传统乐器演奏。著名的蓝草音乐家和乐队有：比尔蒙鲁（Bill Monroe，1911～ ）领导的"蓝草男孩"（Bluegrass Boys）乐队、奥斯本兄弟（Osborne Brothers）、"约翰逊山脉男孩"（The Johnson Mountain Boys）、"纳什维尔蓝草乐队"（The Nashville Bluegrass Band）等。

四 、纳什维尔之声

20世纪50年代，纳什维尔成了乡村音乐的集中营，著名的乡村音乐家大部分都来自这里。因此，"纳什维尔之声"（Nashville Sound）也成了乡村音乐的代名词。

第二次世界大战以前，乡村音乐虽然已经得到了广泛的传播，但总的来说，它仍是一个地区性的乐种。由于战争的缘故加速了人口移动，使不同文化背景的人们有了更多的接触，特别是很多南方农村青年，移居到北部和东西部城市。于是，乡村音乐的影响进一步扩大，成为有全国影响的流行音乐形式，并被正式称为乡村音乐（在此之前乡村音乐一直没有具体的命名），有时也叫做乡村和西部音乐（Country and western music）。

很多乡村音乐家对于把乡村音乐带出南部或中西部都作出了贡献，其中贡献最大的是汉克威廉姆斯。

汉克威廉姆斯（Hank williams，1923～1953），1923年出生于亚拉巴马州。在风格上，他既不像东南部的和声风格，也不接近西部流行的西部摇摆风格，他创造了一种抑郁的但却坚定的唱法。汉克威廉姆斯40年代在乡村音乐界的地位，就如同20年代的吉米罗杰斯，甚至还要高。

威廉姆斯1946年开始出唱片，他推出了一系列冲击流行音乐市场的歌曲，如《相思布鲁斯》（Lovesick Blues）、《今晚不要流泪》（There will be no teardrops tonight）、《你的欺骗之心》（Your cheatin' heart）以及《你又赢了》（You win again）等，其中最有名的代表作品《什锦菜》（Jambalaya，例12）成了世界上家喻户晓的经典歌曲。威廉姆斯还在他的音乐中保留了一定的旧式宗教成分，制作了一些有力的传统福音歌曲。

1953年元旦，威廉姆斯由于吸毒过量死在他汽车的后座上。与他同时代的乡村歌手们几乎都受到了他的影响，他在乡村歌集中的作品也许比任何人都要多。

由于第二次世界大战结束以后，美国社会的繁荣使得乡村音乐得到了飞速发展。如：此时的"老式大剧院"广播节目拥有了一千万听众，"民族谷仓舞"节目也越来越受到人们的喜爱。"纳什维尔之声"也随即开始遍布全国。

五、乡村音乐的叛逆时代

20世纪60年代是乡村音乐史上最辉煌的十年，这一时期出现了像乔治琼斯（George Jones）、约翰尼卡什（Johny Cash）、帕特兹克琳（Patsy Cline）等顶级的乡村音乐家。但是由于乡村音乐的普及，使纳什维尔的乡村音乐中心地位受到了挑战。如加利福尼亚的贝克斯菲尔德（Backsfield）和德克萨斯的奥斯汀（Austin）等地，也因出现了著名歌手而成为日后乡村音乐中心之一。到了70年代，乡村音乐已经显得老态龙钟了，因此一场"叛逆运动"改变了乡村音乐的传统模式。原来由制作人挑选歌曲以及安排曲目的制作方式，受到了很多人的强烈反对，他们要求自己选择歌曲，自己制作，以此来体现自己的思维方式和维护自己的出版权力。威廉奈尔逊（Willie Nelson）领导了这场"叛逆运动"。

1968年，纳什维尔地区的制作人们对奈尔逊那种新鲜的个人化音乐采取了强烈的排斥态度，因此威廉奈尔逊离开了纳什维尔，来到了德克萨斯的奥斯汀。在那里他开始了一年一度的音乐会，并吸引了一批有着同样爱好的年轻人。他们那种纯朴的、根源化的风格加上个性化的表现方式，使乡村音乐呈现出了更加复杂的局面。

当一个个新的概念融合到一起的时侯，一个争论因此而生了，"到底什么是乡村音乐？"

著名乡村歌手肯尼罗杰斯（Kenny Rogers）对于这个问题的回答是："乡村音乐就是乡下人买的一切音乐。"一句简单地回答完美的解释了全体乡村音乐家的心声，即：什么是乡村音乐并不重要，重要的是如何让乡村听众感受到不同的、既新鲜又熟悉的乡村生活体验。

鉴于乡村音乐的复杂局面，下面列举三种不同风格的乡村音乐形式，以供参考。

乡村布鲁斯，即乡村音乐与布鲁斯音乐的结合。代表人物有查理里奇（Charlie Rich）、罗伊罗杰斯（Roy Rogers）等。

流行乡村音乐，即在乡村音乐中融入较多的流行音乐成分，使其更易被人接受和喜爱。代表人物有肯尼罗杰斯（Kenny Rogers）、瑞芭麦克英特尔（Reba McIntire）等。

乡村摇滚，即乡村音乐与摇滚乐的结合（详见摇滚乐部分）。

六 、乡村歌手

前面我们已经提到，乡村音乐经过不断地发展，呈现出了远比山区音乐复杂的局面，各种风格的融合更是促进了乡村音乐的繁荣。20世纪70年代以后，乡村音乐体现出了更加活跃的气氛，因此从风格上更是难以归类。但是作为美国的"民族流行音乐"，它保留了山区音乐中的传统风格，如：曲调简单，节奏平稳，带有叙述性以及较浓的乡土气息；演唱中使用较多的鼻音，有时还使用滑音等各种演唱技巧；伴奏以传统的班卓琴和提琴而独具特色。乡村音乐正是以这些鲜明的个性，使其在商业上取得了巨大的成功。下面，介绍几位在商业上取得较大成绩的乡村歌手。

约翰丹佛（John Denver）

约翰丹佛，1943年12月31日出生于美国西南部的新墨西哥州，从小喜爱音乐，8岁时祖母送他一把吉他，开始学习音乐。年轻时，他学的是建筑设计专业，1971年他放弃学业，一心从事乡村歌曲的创作和演唱。当年，以演唱歌颂弗吉尼亚山区美丽风光的《乡村之路》（country Road，例13）一举成名。1972年以一曲《高高的洛基山》（Rocky Mountain High）进入电视屏幕，成为美国广播公司"午夜特别节目"的主持人。

丹佛熟悉农村生活，热爱大自然，他创作的歌曲大都是赞美大自然和歌颂人类的友爱和美好的感情。因其曲调简朴、优美，内容清新向上，歌词富有诗意和哲理，使他在罗拉多州一带享有"桂冠诗人"的美名。他的吉他弹唱在世界上更是享有盛名。

1997年10月，丹佛在驾驶自己的私人飞机时不幸失事，终年54岁。

约翰丹佛的代表作品有：《乡村之路》（Country Road，1971）、《高高的洛基山》（Rocky Mountain High，1972）、《安妮之歌》（Annie's song，1974）、《阳光洒在我肩上》（Sunshine on my shoulders，1974）等。

肯尼罗杰斯（Kenny Rogers）

肯尼罗杰斯，1938年8月21日出生于得克萨斯州的休斯顿。在上高中时，他便学会了吉他和小提琴，并在一支叫"学者"（The scholars）的山区摇滚乐队里演奏。1966年，他自己组建了一支名quot;首版"（First Edition）的乐队，1972年乐队解散。1976年，罗杰斯从偏向"嬉皮式"的风格走向平稳的乡村音乐道路，成为一名乡村音乐的改良者。他将大量的流行音乐元素融入乡村音乐之中，使两者得到完美的结合。80年代末到90年代初期间，罗杰斯一直忙于慈善事业、音乐会、电视节目、**、摄影和他的快餐连锁店等事务。

肯尼罗杰斯的嗓音浑厚，表情洒脱，他爱唱节奏轻快自由、略带叙述性的歌曲，有时还将乡村音乐和城市温和摇滚融合在一起。代表作品有：《露西尔》（Lucille，1977）、《女士》（Lady，1980）、《疯狂》（Crazy，1983，例14）等。

乔治斯雀特（George strait）

乔治斯雀特于1952年5月18日出生于德克萨斯州的普迪特（Poteet），是80年代最有影响的乡村歌手之一。

斯雀特从小在父亲的牧场里长大，有时帮父亲做些传篱笆、放牲口等工作。十几岁时，他就开始玩音乐。1971年，斯雀特应征入伍，1973年驻扎在夏威夷。基地司令员想建立一支军队乡村乐队，这件事吸引了斯雀特，他买了一把便宜的吉他，开始模仿汉克威廉姆斯的唱片，并给乐队起了个名字叫"浪漫乡村乐队"（Rambling Country），常在营地外进行演出。

1975年他回到家乡，为了满足父亲的期望，进了"西南德克萨斯州综合大quot;（Sounthwest Tesxas university），在攻读农学学位的同时，他组织了一支乐队。1979年，他在MCA唱片公司录制了他的第一张专辑。此后，斯雀特长期占据排榜上的高位，将近30次荣登榜首。到了90年代，许多歌手（包括加思布鲁克斯）都把他当作榜样。斯雀特不愿露面，比其他著名歌手接受采访要少得多，但在1992年，他参加了**《纯乡村》（Pure Country）的演出，这部**中的四首歌曲上榜，使斯雀特站到了乡村乐坛的前列。

斯雀特成了乡村音乐中的焦点人物。他的事业仍在不断地发展，但他现在每年只花半年的时间去录制唱片和巡回演出，而其余的时间他则隐居在德克萨斯的家乡，骑马、爬山、和家人共度美好时光。

文斯基尔（Vince Gill）

文斯基尔，1957年4月12日出生于奥克拉荷马州的诺曼（Norman），原名文斯格兰特基尔（Vince Grant Gill）。他的父亲是一名联邦法官，会弹班卓琴。基尔10岁开始学习吉他，上中学时就参加过当地一支叫"山雾"（Mountain Smoke）的乡村摇滚乐队。中学毕业后，他得到高尔夫运动员奖学金，到肯德基州的路易斯维尔（Louisville）上大学，很快便参加了一支叫"南方联盟"的乐队。此时他除了会弹奏吉他外，还会演奏曼陀林、小提琴和班卓琴。

1979年，基尔来到纳什维尔并很快的成了音乐节上的红人。1984年，他的歌曲第一次进入乡村歌曲排行榜前40 名。此后，他的歌曲不断地在排行榜上取得佳绩。

进入90 年代，基尔留下了辉煌的足迹，除了录制唱片外，他还是音乐会上的十大明星之一，两次获得乡村音乐协会的最佳艺人奖。他说："我希望有人记住我，我曾经关心过乡村音乐的完整性。我也喜欢当演员、当作曲家、做事业。同样，我关心历史，它从什么地方开始，他往哪儿发展。"

文斯基尔的代表性专辑有：《我仍崇拜你》;1988年与Capitol唱片公司签约，年底，他的首张专辑制作完成，于1989年出版。

布鲁克斯踏上歌坛两年，便成为大红大紫的乡村歌星。在1991年第25届乡村音乐颁奖大会上，他囊括了四项大奖。继而又被评为1992年最佳乡村歌手和"越界"获得了最佳流行歌手，同时获这两项殊荣的歌手是史无前例的。

加思布鲁克斯的代表性专辑有：《加思布鲁克斯》（1989）、《没有遮拦》（No fences，1990）、《徒劳》（Ropin' the wind，1991）、《狩猎》（The chase，1992）、《碎片》（In Pieces，1993）、《精选》（The Hits，1994）、《新马》（Fresh horses，1995）。

仙妮亚唐恩（Shania Twain）

仙妮亚唐恩，1965年8月28日出生于加拿大的安大略省，是90年代中期继加思布鲁克斯之后最受欢迎的现代乡村音乐代表歌手。唐恩从小学习吉他、学习创作和演唱，早期，她在各地的酒吧、俱乐部演出，偶尔也出现在地方电台。1993年推出首张专辑《仙妮亚唐恩》，1996年以一首《我的男人》（Any man of mine）获得格莱美最佳乡村女歌手奖。

虽然唐恩取得了卓越的成绩，但是因为她的音乐中硬摇滚风格的加入，同时也因她在MTV中大胆的性感出境，经常遭来评论界的冷眼。作为一名乡村歌手，唐恩是第一个以性感取得成功的典范。

仙妮亚唐恩的代表歌曲有：《是什么让你说起那些》(What Made You Say That，1993)、《我的男人》（Any Man Of Mine，1996）、《你是我的唯一》（You'ar Still The One，1999，例15）等。

爵士音乐介绍

一、 爵士乐的起源

爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏（或演唱）赢得了广大听众的喜爱，同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头，经过整整一个世纪的发展，如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐 、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士，而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克…… 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。

1、 爵士乐的来源

--布鲁斯和拉格泰姆

爵士乐是在布鲁斯和拉格泰姆的基础上，融合了某些白人的音乐成份，以小型管乐队的形式即兴演奏而逐渐形成的。

布鲁斯（Blues）

布鲁斯是南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式，它的来源已无从考查。但是有一点可以确定，它与黑人的种植园歌曲（劳动时集体合唱的无伴奏歌曲）有着一脉相承的关系。后来，由于种植园经济的衰落，黑奴逐渐变得自由，大多数成了独立的雇工，因此集体劳动歌曲失去了生存的环境。此时一种被称作"田间呼喊"的独唱形式代替了种植园歌曲，最原始的布鲁斯形式也因此而生了。后来黑人进了城市，把这种呼喊带到了城里，对所有的黑人音乐都产生了巨大的影响。这种原始的呼喊形式与早期的农村布鲁斯(Country blues)对比之下相差无几，都是在即兴演唱中形成的，每次演唱都不相同。不同之处仅仅在于"田间呼喊"是一种个人内心情感的释放，而农村布鲁斯一般都是歌手为商家推销产品时为吸引顾客而演唱的。他们万万没想到自己的谋生方式竟然为布鲁斯的发展树立了模板。农村布鲁斯保留了"田间呼喊"中上升或下降的自然滑音特点，它的段落一般都是三句构成一段，但是没有固定的段数，可以即兴演唱很多段，它有时还经常采用班卓琴和吉他来进行伴奏。由于农村布鲁斯出现于20世纪以前，所以它的流传只能靠文字记载而没有录音资料（现存最早的布鲁斯录音资料产生于1920年）。进入20世纪20年代，最流行的布鲁斯是古典布鲁斯，与农村布鲁斯相比，它的演唱风格更加流行化。古典布鲁斯常常有作曲者参与，不完全靠歌手即兴演唱，它的曲式显得更加规整，经常由爵士乐队伴奏。这个时期女歌手占据了布鲁斯舞台，他们经常和爵士乐队一起演出，在商业上取得了巨大的成功。比如最早的布鲁斯歌手"妈"雷尼("Ma" Rainey，1886～1939)就是在这个时期确定了她的明星地位。30年代，当黑人为了谋生而涌向工业中心时，农村布鲁斯也随之走进了城市，从而形成了都市特点的城市布鲁斯。城市布鲁斯主要反映城市生活的感受，它的结构固定，4/4拍，12小节分成三句，每4小节为一句，第一、二句重复。伴奏可能是乐队，也有的用钢琴，伴奏和声趋于规范。

曲式： A | A' | B |

小节： 1 2 3 4 | 5 6 7 8 | 9 10 11 12 |

和声： I--- | IV-I- | V- I- |

如威廉汉迪（WCHandy）于1912年发表的《孟菲斯布鲁斯》（Memphis Blues）的第一段（例1）。

这种12小节布鲁斯曲式为乐手和歌手的即兴发挥提供了极大的自由空间，在这样的结构框架中，布鲁斯以它独特的音阶和节奏特点让人一听便能分辨这就是布鲁斯。布鲁斯音阶是最能体现布鲁斯风格的特征之一，在自然大调音阶上增加降三音和降七音（例2）以此来体现出布鲁斯的忧伤成分。布鲁斯节奏以三连音为基础，然后作不断地变化（例3）。因此想演奏（或演唱）布鲁斯的乐手（或歌手）必须建立起良好的三连音概念。

布鲁斯历史上最著名的作曲家是威廉汉迪(William Christopher Handy ，1873～1958)，拥有"布鲁斯之父"的称号。他把布鲁斯与拉格泰姆相结合，使原来只在黑人中流传的布鲁斯被不同阶层的听众所接受。他为布鲁斯的推广和流传起到了巨大的推动作用。1960年，美国邮政部发行了他的纪念邮票，以表彰他对黑人音乐做出的巨大贡献。

布鲁斯一方面被爵士乐所吸收，成为爵士乐的重要组成部分，另一方面作为流行音乐的一个分支自身还在发展，并继续影响着爵士乐。

下面介绍几位布鲁斯历史上不同时期的代表人物。

贝西史密斯（Bessie Smith，1894～1937）

贝西史密斯是古典布鲁斯时期最著名的女性布鲁斯歌手，1894年出生于美国的田纳西州。最早，贝西为了谋生，在杂耍班和夜总会演唱，1923年，哥伦比亚公司制作人弗莱克沃尔克;沃尔克发现了她的潜力，便为她录制了第一张唱片，没想到唱片一上市便卖出了200万张。哥伦比亚唱片公司看到这种情况，就立即与她签约，而且将她捧为旗下的头牌歌星。贝西的歌曲涉及面甚广，有反映社会问题的、有放荡幽默的，还有直截了当的性表白和流氓小曲等等。由于她在20世纪20年代主宰了布鲁斯音乐的潮流，因此人们将她称为"布鲁斯皇后"。1929年以后，她的音乐生涯出现了滑坡，她为了取得白人听众的喜爱，开始录制白人通俗歌曲，但是此时的白人音乐市场已被乡村歌手吉米罗杰斯（Jimmie Rodgers，详见乡村音乐部分）占据，贝西敌不过罗杰斯，没有拿下白人市场，回过头时，发现自己又失去了黑人听众。于是1933年以后她再也没有录制过任何东西。1937年9月26日，贝西酒后驾车，在高速公路上与卡车相撞，一只胳膊活活从身上被撕下来，最后不治身亡。

雷蒙杰弗逊（Lemon Jefferson，1897～1930）

雷蒙杰弗逊--一位来自德克萨斯的盲人歌手，在20世纪20年代末为布鲁斯音乐留下81张唱片的布鲁斯巨人。雷蒙杰弗逊从小双目失明，但具有极高的音乐天赋。他无师自通地学会了吉他，很小就在街头卖唱。1926年以前，他一直是个街头艺术家，在黑人北迁的高潮中，他来到了芝加哥。唱片商很快发现了这位既能弹吉他、又能唱歌、还能填词编曲的天才歌手--"瞎子雷蒙"（布鲁斯圈子里都这么称呼他）。雷蒙演唱的是比较传统的农村布鲁斯，他的风格比较清淡，吉他与歌声相呼应。他的歌词比较讲究格调，没有粗鄙的用词。经过唱片公司的推广，雷蒙很快就成了家喻户晓的风云人物，同时也赢得了巨大的财富。但是他把大量的钱财用来寻欢作乐，浪费在女人和酒上。1930年的一个冬夜，他录完最后一张唱片后去了夜总会。不知什么原因，司机没来接他，他便自己步行回家，第二天被发现冻死在雪地里，享年33岁。

查理帕顿（Charlie Parton，1885～1934）

查理帕顿，1885年出生于密西西比三角州的克利夫兰，是20世纪30年代初布鲁斯乐坛的代表人物。帕顿从小体弱多病，个子矮小，因此人们将他称为"矮子帕顿"。帕顿自学作曲，从自己的生活环境中吸取养分，创作各种歌曲。他在音乐上对传统进行改革，强化自己的个性，他的歌曲多半与自己的经历有关，布鲁斯的主题--伤感，在他的音乐中无处不在。1929年，帕顿开始录制唱片，在女布鲁斯歌手铺天盖地的声浪中，他却低吟浅唱，别具一格。到1934年他去世为止，五年时间录制了60张唱片。帕顿瘦弱的身躯、浑厚的男低音、精湛的吉他技艺、大量的唱片、短暂的艺术生涯，这一切使他成为一个布鲁斯历史上的传奇人物。

马迪沃特斯（Muddy Waters，1915～1983）

马迪沃特斯，1915年出生于密西比的罗林福克，原名麦金利摩根菲尔德（McKinley Morganfield），他是一位介于查理帕顿与BB金（BBKing）之间最伟大的布鲁斯音乐家之一。由于他曾经常在泥水中玩耍，因此得到了"Muddy"（泥泞的）这个绰号。马迪沃特斯13岁学习口琴，17岁学习吉他，1943去芝加哥并成为那里的滑棒吉他大师。1944 年他开始演奏电吉他，晚上在俱乐部演出，白天在造纸厂干活，后来又当过卡车司机。1946年到1954年期间他录制了一批反映极强的热门歌曲，并对节奏布鲁斯（R＆B）产生了深远的影响。从1950年起，几乎所有的芝加哥布鲁斯明星都参加过他的乐队。60年代以后，他的音乐变得更加成熟和专业，加进了大量的钢琴、口琴以及架子鼓，使布鲁斯被更多的黑人和白人所接受。1971年推出的《他们叫我马迪沃特斯》（They Call Me Muddy Waters）为他赢得了第一个格莱美奖（该奖开创于1958年，每年颁发一次，是美国音乐界最高奖项）。他在去世之前一直没有停止过唱片的录制，为布鲁斯音乐留下了大量的宝贵资料。

BB金（BBKing）

BB金于 1925年9月16日生于密西西比三角洲的伊塔比纳，原名赖利BKing （Riley BKing），是布鲁斯历史上影响面最广、生命力最强的布鲁斯音乐家。儿时的"金"流离于母亲与祖母之间，生活艰难，少年时在教堂学唱歌，在"金"的音乐理念中，乡村音乐与福音音乐对他有着重要的影响。1948年底他来到孟菲斯，很快，他的音乐便被当地的电台看中，同时他也留在了电台工作，当电台直播他的节目时，称他为"比尔大街布鲁斯男孩" (Beale street Blues Boys)， 后来简称为"布鲁斯男孩"，最后干脆叫"BB"，BB King 便因此而来。BB金的作品中既有纯布鲁斯的，也有乡村音乐风格的，还有流行和摇滚的，但是每一种形式都夹杂着布鲁斯成分。70年代，他的音乐会吸引了各种族、各年龄层的观众。1985年，他的第50张唱片问世，1987年荣获格莱美终身成就奖。作为一名布鲁斯大师，至今他仍在为布鲁斯音乐乐此不疲地奉献着。

约翰李胡克（John Lee Hooker）

约翰李胡克,1917年出生于密西西比州。在第二次世界大战后的几年中，他一直生活在底特律，并成为那里布鲁斯圈中的顶尖高手。起初，他以演唱黑人福音歌为主，但不久便被布鲁斯音乐所吸引，胡克低沉的声线在清脆的吉他和富有动感的节拍配合下格外受人瞩目。60年代他将布鲁斯先后与舞曲、摇滚乐等风格相结合，使原有的布吉-乌吉 （Boogie Woogie ，一种敲击式的、即兴演奏的布鲁斯钢琴音乐，其特点是左手有一个固定的节奏型衬托右手的布鲁斯音调，产生一种强劲有力的节奏效果）元素逐渐地在他身上消失。70年代他的风格转向摇滚路线。他与BB金一样，将各种音乐元素与布鲁斯相融合，为布鲁斯音乐的繁荣作出了不可磨灭的贡献。90年代以后这位"布鲁斯之王"开始淡出舞台，在家中安度晚年，偶尔参加一些社交活动。2001年，胡克逝世，终年84岁。

拉格泰姆（Ragtime）

拉格泰姆是美国流行音乐中第一次出现真正有全国影响的音乐形式。它最初是一种钢琴音乐，盛行于19世纪90年代到第一次世界大战结束，因爵士乐的兴起而被替代。

19世纪末的新奥尔良，非常地开放和自由，比如公娼制度，在这块土地上，大量

天才是1%的灵感加上99%的汗水，但这1%的灵感比99%的汗水重要。

成功＝艰苦的劳动＋正确的方法＋少谈空话。 ——爱因斯坦

一个人的价值，应该看他贡献什么，而不应当看他取得什么。 —— 爱因斯坦

人只有献身于社会，才能找出那短暂而有风险的生命的意义。 —— 爱因斯坦

我从来不把安逸和快乐看作是生活目的本身---这种伦理基础，我叫它猪栏的理想。

—— 爱因斯坦

只要你有一件合理的事去做，你的生活就会显得特别美好。 —— 爱因斯坦

人们所努力追求的庸俗的目标——财产、虚荣、奢侈的生活——我总觉得都是可鄙的。

—— 爱因斯坦

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——爱因斯坦

对一切来说，只有热爱才是最好的老师，它远远胜过责任感。

——爱因斯坦

凡在小事上对真理持轻率态度的人，在大事上也是不可信任的。

——爱因斯坦

+y+z=A

成功＝艰苦的劳动＋正确的方法＋少说空话。

x＝艰苦的劳动

y＝正确的方法

z＝少说空话

相对论原理:E=mcc这算是名言吗

交际卷凡在小事上对真理持轻率态度的人，在大事上也是不足信的。 --- 爱因斯坦

人生卷不管时代的潮流和社会的风尚怎样，人总可以凭着自己高贵的品质，超脱时代和社会，走自己正确的道路。 --- 爱因斯坦

通向人类真正的伟大境界的通道只一条苦难的道路。--- 爱因斯坦

实笃一个人只有以他全部的力量和精神致力于某一事业时，才能成为一个真正的大师。因此，只有全力以赴才能精通。 --- 爱因斯坦

我没有什么特别的才能，不过喜欢寻根刨底地追究问题罢了。 --- 爱因斯坦

没有牺牲，也就决不可能有真正的进步。 --- 爱因斯坦

一个人被工作弄得神魂颠倒直至生命的最后一息，这的确是幸运。 --- 爱因斯坦

简单淳朴的生活，无论在身体上，还是精神上，对每个人都是有益的。 --- 爱因斯坦

宽容意味着尊重别人的无论哪种可能有的信念。 --- 爱因斯坦

推动你的事业，个要让你的事业推动你。 --- 爱因斯坦

为了使每个人都能表白他的观点而无不利的后果，在全体人民中，必须有一种宽容的精神。 --- 爱因斯坦

最重要的宽容就是国家和社会对个人的宽容。 --- 爱因斯坦

宽容意味着尊重别人的无论哪种可能有的信念。 --- 爱因斯坦

在真理的认识方面，任何以权威者自居的人，必将在上帝的戏笑中垮台！ --- 爱因斯坦

真正有价值的东西不是出自雄心壮志或单纯的责任感；而是出自对人和对客观事物的热爱和专心。 --- 爱因斯坦

一个人的真正价值，首先决定于他在什么程度上和在什么意义上从自我解放出来。 --- 爱因斯坦

智慧并不产生于学历，而是来自对于知识的终身不懈的追求。 --- 爱因斯坦

我们把教育定义如下：人的智慧决不会偏离目标。所谓教育，是忘却了在校学的全部内容之后剩下的本领。 --- 爱因斯坦

知学校的目标应是培养有独立行动和独立思考的人。 --- 爱因斯坦

我没有什么特别的才能，不过是喜欢寻根究底地追求问题罢了。 --- 爱因斯坦

人们所努力追求的庸俗的目标———财产、虚荣、奢侈的生活———我总觉得都是可鄙的。 --- 爱因斯坦

人只有献身于社会，才能找出那短暂而有风险的生命的意义。 --- 爱因斯坦

人生卷有时候一个人为不花钱得到的东西付出的代价最高。 --- 爱因斯坦

人生卷真正有价值的东西不是出自雄心壮志或单纯的责任感；而是出自对人和对客观事物的热心和专心。 --- 爱因斯坦

一个人的价值，应当看他贡献什么，而不应看他取得什么。 --- 爱因斯坦

对于我来说，生命的意义在于设身处地替人着想，忧他人之忧，乐他人之乐。 --- 爱因斯坦

一个人对社会的价值，首先取决于他的感情、思想和行动对增进人类利益有多大作用。 --- 爱因斯坦

只有为他人而生活的生命才是值得的。 --- 爱因斯坦

每个人都有一定的理想，这种理想决定着他的努力和判断的方向。就在这个意义上，我从来不把安逸和快乐看做是生活目的本身———这种伦理基础我叫它猪栏的理想。 --- 爱因斯坦

照亮我的道路，并且不断地给我新的勇气去愉快地正视生活的理想，是善、美和真。 --- 爱因斯坦

由百折不挠的信念所支持的人的意志，比那些似乎是无敌的物质力量具有更大的威力。 --- 爱因斯坦

信念最好能由经验和明晰的思想来支持。 --- 爱因斯坦

对真理和知识的追求并为之奋斗，是人的最高品质之一————尽管把这种自豪喊得最响的往往是那些努力最小的人。 --- 爱因斯坦

有不少人，他们不追求那些物质的东西，他们追求理想和真 --- 爱因斯坦

一个人的价值，应该看他贡献什么，而不应当看他取得什么。 --- 爱因斯坦

真正的快乐是对生活的乐观，对工作的愉快，对事业的兴奋。 --- 爱因斯坦

对一个人来说，所斯望的不是别的，而仅仅是他能全力以赴和献身于一种美好事业。 --- 爱因斯坦

只有献身社会，才能找到那实际上是短暂而有风险的生命的意义。 --- 爱因斯坦

我每天上百次地提醒自己：我的精神生活和物质生活都依靠着别人的劳动，我必须尽力以同样的分量来报偿我所领受了的和至今还在领受着的东西。 --- 爱因斯坦

在一个崇高的目的支持下，不停地工作，即使慢，也一定会获得成功。 --- 爱因斯坦

成功＝艰苦的劳动＋正确的方法＋少说空话。 --- 爱因斯坦

不惜寸阴于今日，必留遗憾于明天。———法国谚语我认为对于一切情况，只有“热爱”才是最好的老师。 --- 爱因斯坦

求学犹植树，春天开花，秋天结果实。 --- 爱因斯坦

世界上，宇宙中，有多少难解的谜啊……还是抓紧时间工作吧！ --- 爱因斯坦

世界上，宇宙中，有多少难解的谜啊……还是抓紧时间工作吧！ --- 爱因斯坦

成功＝艰苦的劳动＋正确的方法＋少谈空话。 ——爱因斯坦

参考资料：

http://zhidaobaiducom/question/7812901html

爱迪生（1847～1931）是美国著名的发明家。一生勤奋好学，善于思考，努力工作，在75岁的时候，还每天准时到实验室签到上班，他在几十年间几乎每天工作十几个小时，晚间在书房读3至5小时书，若用平常人一生的活动时间来计算，他的生命已经成倍的延长了。因此，爱迪生在79岁生日的那天，他骄傲地对人们说，我已经是135岁的人了。他活到84岁，一生中的发明有1100项之多，其中最大贡献是发明留声机和自动电报机，实验并改进了白炽灯和电话。爱迪生20岁出头开始研究电灯，历时10余年，他先后选用了竹棉、石墨、钽……等等上千种不同物质作灯丝材料进行试验，时常通霄达旦，有一次他和助手们竟连续工作5昼夜。1879年爱迪生用碳丝作为白炽灯丝，并点燃40小时。由于碳丝表面多孔，性脆，强度很低。不久被钨丝代替。

1883年爱迪生发现了热电子发射现象，也叫“爱迪生效应”，即金属表面附近的部分电子或离子因高温而使其无规则运动得到足够的动能，克服表面的束缚，逸出金属之外。爱迪生效应对于一切真空管的操作至为重要，作为发射表面的阴极常涂上一层碱土金属氧化物，以利电子发射，并用电流加热以维持高温。

1900年爱迪生发明了铁镍蓄电池，是一种碱性蓄电池，电动势约为1．3～1．4伏，寿命长，但效率不高。爱迪生一生有许多发明，可是当别人问爱迪生成功原因时，他说：有些人以为我有什么天才，这是不正确的，“天才”是百分之一的灵感，百分之九十

20世纪最伟大的物理学家阿尔伯特·爱因斯坦(Albert．Einstein)1879年3月14日出生在德国西南的乌耳姆城，一年后随全家迁居慕尼黑。爱因斯坦的父母都是犹太人，父亲赫尔曼·爱因斯坦和叔叔雅各布·爱因斯坦合开了一个为电站和照明系统生产电机、弧光灯和电工仪表的电器工厂。母亲玻琳是受过中等教育的家庭妇女，非常喜欢音乐，在爱因斯坦六岁时就教他拉小提琴。

爱因斯坦小时候并不活泼，三岁多还不会讲话，父母很担心他是哑巴，曾带他去给医生检查。还好小爱因斯坦不是哑巴，可是直到九岁时讲话还不很通畅，所讲的每一句话都必须经过吃力但认真的思考。

在四、五岁时，爱因斯坦有一次卧病在床，父亲送给他一个罗盘。当他发现指南针总是指着固定的方向时，感到非常惊奇，觉得一定有什么东西深深地隐藏在这现象后面。他一连几天很高兴的玩这罗盘，还纠缠着父亲和雅各布叔叔问了一连串问题。尽管他连“磁”这个词都说不好，但他却顽固地想要知道指南针为什么能指南。这种深刻和持久的印象，爱因斯坦直到六十七岁时还能鲜明的回忆出来。

爱因斯坦在念小学和中学时，功课属平常。由于他举止缓慢，不爱同人交往，老师和同学都不喜欢他。教他希腊文和拉丁文的老师对他更是厌恶，曾经公开骂他：“爱因斯坦，你长大后肯定不会成器。”而且因为怕他在课堂上会影响其他学生，竟想把他赶出校门。

爱因斯坦的叔叔雅各布在电器工厂里专门负责技术方面的事务，爱因斯坦的父亲则负责商业的往来。雅各布是一个工程师，自己就非常喜爱数学，当小爱因斯坦来找他问问题时，他总是用很浅显通俗的语言把数学知识介绍给他。在叔父的影响下，爱因斯坦较早的受到了科学和哲学的启蒙。

父亲的生意做得并不好，但却是一个乐观和心地善良的人，家里每星期都有一个晚上要邀请来慕尼黑念书的穷学生吃饭，这样等于是救济他们。其中有一对来自立陶宛的犹太兄弟麦克斯和伯纳德，他们都是学医科的，喜欢阅读书籍、兴趣广泛。他们被邀请来爱因斯坦家里吃饭，并和羞答答、长着黑头发和棕色眼睛的小爱因斯坦交成了好朋友。

麦克斯可以说是爱因斯坦的“启蒙老师”，他借了一些通俗的自然科学普及读物给他看。麦克斯在爱因斯坦十二岁时，给了他一本施皮尔克的平面几何教科书。爱因斯坦晚年回忆这本神圣的小书时说：“这本书里有许多断言，比如，三角形的三个高交于一点，它们本身虽然并不是显而易见的，但是可以很可靠地加以证明，以致任何怀疑似乎都不可能。这种明晰性和可靠性给我留下了一种难以形容的印象。”

爱因斯坦还幸运地从一部卓越的通俗读物中知道了自然科学领域里的主要成果和方法，科普读物不但增进了爱因斯坦的知识，而且拨动了年轻人好奇的心弦，引起他对问题的深思。

爱因斯坦十六岁时报考瑞士苏黎世的联邦工业大学工程系，可是入学考试却告失败。他接受了联邦工业大学校长以及该校著名的物理学家韦伯教授的建议，在瑞士阿劳市的州立中学念完中学课程，以取得中学学历。

1896年10月，爱因斯坦跨进了苏黎世工业大学的校门，在师范系学习数学和物理学。他对学校的注入式教育十分反感，认为它使人没有时间、也没有兴趣去思考其他问题。幸运的是，窒息真正科学动力的强制教育，在苏黎世的联邦工业大学要比其他大学少得多。爱因斯坦充分的利用学校中的自由空气，把精力集中在自己所热爱的学科上。在学校中，他广泛的阅读了赫尔姆霍兹、赫兹等物理学大师的著作，他最着迷的是麦克斯韦的电磁理论。他有自学本领、分析问题的习惯和独立思考的能力。

早期工作

1900年，爱因斯坦从苏黎世工业大学毕业。由于他对某些功课不热心，以及对老师态度冷漠，被拒绝留校。他找不到工作，靠做家庭教师和代课教师过活。在失业一年半以后，关心并了解他才能的同学马塞尔·格罗斯曼向他伸出了援助的手。格罗斯曼设法说服自己的父亲把爱因斯坦介绍到瑞士专利局去作一个技术员。

爱因斯坦终身感谢格罗斯曼对他的帮助。在悼念格罗斯曼的信中，他谈到这件事时说，当他大学毕业时，“突然被一切人抛弃，一筹莫展的面对人生。他帮助了我，通过他和他的父亲，我后来才到了哈勒(时任瑞士专利局局长)那里，进了专利局。这有点象救命之恩，没有他我大概不致于饿死，但精神会颓唐起来。”

1902年2月21日，爱因斯坦取得了瑞士国籍，并迁居伯尔尼，等待专利局的招聘。1902年6月23日，爱因斯坦正式受聘于专利局，任三级技术员，工作职责是审核申请专利权的各种技术发明创造。1903年，他与大学同学米列娃玛丽克结婚。

1900～1904年，爱因斯坦每年都写出一篇论文，发表于德国《物理学杂志》。头两篇是关于液体表面和电解的热力学，企图给化学以力学的基础，以后发现此路不通，转而研究热力学的力学基础。1901年提出统计力学的一些基本理论，1902～1904年间的三篇论文都属于这一领域。

1904年的论文认真探讨了统计力学所预测的涨落现象，发现能量涨落取决于玻尔兹曼常数。它不仅把这一结果用于力学体系和热现象，而且大胆地用于辐射现象，得出辐射能涨落的公式，从而导出维恩位移定律。涨落现象的研究，使他于1905年在辐射理论和分子运动论两方面同时做出重大突破。

1905年的奇迹

1905年，爱因斯坦在科学史上创造了一个史无前例奇迹。这一年他写了六篇论文，在三月到九月这半年中，利用在专利局每天八小时工作以外的业余时间，在三个领域做出了四个有划时代意义的贡献，他发表了关于光量子说、分子大小测定法、布朗运动理论和狭义相对论这四篇重要论文。

1905年3月，爱因斯坦将自己认为正确无误的论文送给了德国《物理年报》编辑部。他腼腆的对编辑说：“如果您能在你们的年报中找到篇幅为我刊出这篇论文，我将感到很愉快。”这篇“被不好意思”送出的论文名叫《关于光的产生和转化的一个推测性观点》。

这篇论文把普朗克1900年提出的量子概念推广到光在空间中的传播情况，提出光量子假说。认为：对于时间平均值，光表现为波动；而对于瞬时值，光则表现为粒子性。这是历史上第一次揭示了微观客体的波动性和粒子性的统一，即波粒二象性。

在这文章的结尾，他用光量子概念轻而易举的解释了经典物理学无法解释的光电效应，推导出光电子的最大能量同入射光的频率之间的关系。这一关系10年后才由密立根给予实验证实。1921年，爱因斯坦因为“光电效应定律的发现”这一成就而获得了诺贝尔物理学奖。

这才仅仅是开始，阿尔伯特·爱因斯坦在光、热、电物理学的三个领域中齐头并进，一发不可收拾。1905年4月，爱因斯坦完成了《分子大小的新测定法》，5月完成了《热的分子运动论所要求的静液体中悬浮粒子的运动》。这是两篇关于布朗运动的研究的论文。爱因斯坦当时的目的是要通过观测由分子运动的涨落现象所产生的悬浮粒子的无规则运动，来测定分子的实际大小，以解决半个多世纪来科学界和哲学界争论不休的原子是否存在的问题。

三年后，法国物理学家佩兰以精密的实验证实了爱因斯坦的理论预测。从而无可非议的证明了原子和分子的客观存在，这使最坚决反对原子论的德国化学家、唯能论的创始人奥斯特瓦尔德于1908年主动宣布：“原子假说已经成为一种基础巩固的科学理论”。

1905年6月，爱因斯坦完成了开创物理学新纪元的长论文《论运体的电动力学》，完整的提出了狭义相对论。这是爱因斯坦10年酝酿和探索的结果，它在很大程度上解决了19世纪末出现的古典物理学的危机，改变了牛顿力学的时空观念，揭露了物质和能量的相当性，创立了一个全新的物理学世界，是近代物理学领域最伟大的革命。

狭义相对论不但可以解释经典物理学所能解释的全部现象，还可以解释一些经典物理学所不能解释的物理现象，并且预言了不少新的效应。狭义相对论最重要的结论是质量守恒原理失去了独立性，他和能量守恒定律融合在一起，质量和能量是可以相互转化的。其他还有比较常讲到的钟慢尺缩、光速不变、光子的静止质量是零等等。而古典力学就成为了相对论力学在低速运动时的一种极限情况。这样，力学和电磁学也就在运动学的基础上统一起来。

1905年9月，爱因斯坦写了一篇短文《物体的惯性同它所含的能量有关吗？》，作为相对论的一个推论。质能相当性是原子核物理学和粒子物理学的理论基础，也为20世纪40年代实现的核能的释放和利用开辟了道路。

在这短短的半年时间，爱因斯坦在科学上的突破性成就，可以说是“石破天惊，前无古人”。即使他就此放弃物理学研究，即使他只完成了上述三方面成就的任何一方面，爱因斯坦都会在物理学发展史上留下极其重要的一笔。爱因斯坦拨散了笼罩在“物理学晴空上的乌云”，迎来了物理学更加光辉灿烂的新纪元。

广义相对论的探索

狭义相对论建立后，爱因斯坦并不感到满足，力图把相对性原理的适用范围推广到非惯性系。他从伽利略发现的引力场中一切物体都具有同一加速度这一古老实验事实找到了突破口，于1907年提出了等效原理。在这一年，他的大学老师、著名几何学家闵可夫斯基提出了狭义相对论的四维空间表示形式，为相对论进一步发展提供了有用的数学工具，可惜爱因斯坦当时并没有认识到它的价值。

等效原理的发现，爱因斯坦认为是他一生最愉快的思索，但以后的工作却十分艰苦，并且走了很大的弯路。1911年，他分析了刚性转动圆盘，意识到引力场中欧氏几何并不严格有效。同时还发现洛伦茨变化不是普适的，等效原理只对无限小区域有效……。这时的爱因斯坦已经有了广义相对论的思想，但他还缺乏建立它所必需的数学基础。

1912年，爱因斯坦回到苏黎世母校工作。在他的同班同学、母校任数学教授的格罗斯曼帮助下，他在黎曼几何和张量分析中找到了建立广义相对论的数学工具。经过一年的奋力合作，他们于1913年发表了重要论文《广义相对论纲要和引力理论》，提出了引力的度规场理论。这是首次把引力和度规结合起来，使黎曼几何获得实在的物理意义。

不过他们当时得到的引力场方程只对线性变换是协变的，还不具有广义相对论原理所要求的任意坐标变换下的协变性。这是由于爱因斯坦当时不熟悉张量运算，错误的认为，只要坚持守恒定律，就必须限制坐标系的选择，为了维护因果性，不得不放弃普遍协变的要求。

科学成就的第二个高峰

在1915年到1917年的3年中，是爱因斯坦科学成就的第二个高峰，类似于1905年，他也在三个不同领域中分别取得了历史性的成就。除了1915年最后建成了被公认为人类思想史中最伟大的成就之一的广义相对论以外，1916年在辐射量子方面提出引力波理论，1917年又开创了现代宇宙学。

1915年7月以后，爱因斯坦在走了两年多弯路后，又回到普遍协变的要求。1915年10月到11月，他集中精力探索新的引力场方程，于11月4日、11日、18日和25日一连向普鲁士科学院提交了四篇论文。

在第一篇论文中他得到了满足守恒定律的普遍协变的引力场方程，但加了一个不必要的限制。第三篇论文中，根据新的引力场方程，推算出光线经过太阳表面所发生的偏转是17弧秒，同时还推算出水星近日点每100年的进动是43秒，完满解决了60多年来天文学的一大难题。

1915年11月25日的论文《引力的场方程》中，他放弃了对变换群的不必要限制，建立了真正普遍协变的引力场方程，宣告广义相对论作为一种逻辑结构终于完成了。1916春天，爱因斯坦写了一篇总结性的论文《广义相对论的基础》；同年底，又写了一本普及性的小册子《狭义与广义相对论浅说》。

1916年6月，爱因斯坦在研究引力场方程的近似积分时，发现一个力学体系变化时必然发射出以光速传播的引力波，从而提出引力波理论。1979年，在爱因斯坦逝世24年后，间接证明了引力波存在。

1917年，爱因斯坦用广义相对论的结果来研究宇宙的时空结构，发表了开创性的论文《根据广义相对论对宇宙所做的考察》。论文分析了“宇宙在空间上是无限的”这一传统观念，指出它同牛顿引力理论和广义相对论都是不协调的。他认为，可能的出路是把宇宙看作是一个具有有限空间体积的自身闭合的连续区，以科学论据推论宇宙在空间上是有限无边的，这在人类历史上是一个大胆的创举，使宇宙学摆脱了纯粹猜想的思辨，进入现代科学领域。

漫长艰难的探索

广义相对论建成后，爱因斯坦依然感到不满足，要把广义相对论再加以推广，使它不仅包括引力场，也包括电磁场。他认为这是相对论发展的第三个阶段，即统一场论。

1925年以后，爱因斯坦全力以赴去探索统一场论。开头几年他非常乐观，以为胜利在望；后来发现困难重重，他认为现有的数学工具不够用；1928年以后转入纯数学的探索。他尝试着用各种方法，但都没有取得具有真正物理意义的结果。

1925年～1955年这30年中，除了关于量子力学的完备性问题、引力波以及广义相对论的运动问题以外，爱因斯坦几乎把他全部的科学创造精力都用于统一场论的探索。

1937年，在两个助手合作下，他从广义相对论的引力场方程推导出运动方程，进一步揭示了空间——时间、物质、运动之间的统一性，这是广义相对论的重大发展，也是爱因斯坦在科学创造活动中所取得的最后一个重大成果。

在同一场理论方面，他始终没有成功，他从不气馁，每次都满怀信心底从头开始。由于他远离了当时物理学研究的主流，独自去进攻当时没有条件解决的难题，因此，同20年代的处境相反，他晚年在物理学界非常孤立。可是他依然无所畏惧，毫不动摇地走他自己所认定的道路，直到临终前一天，他还在病床上准备继续他的统一场理论的数学计算。

最伟大的科学家的风格

爱因斯坦因为在科学上的成就，获得了许多奖状以及名誉博士的授予证书。如果一般人就会把这些东西高高挂起。可是爱因斯坦把以上的东西，包括诺贝尔奖奖状一起乱七八糟地放在一个箱子里，看也不看一眼。英费尔德说他有时觉得爱因斯坦可能连诺贝尔奖是什么意义都不知道。据说他在得奖的那一天，脸上和平日一样平静，没有显出特别高兴或兴奋。

少年时代的爱因斯坦在瑞士生活时，过的是穷学生的生活，他对物质生活要求不高，有一碟意大利面条加上一点酱他就感到很满意。成名后，成为教授以及后来为了躲避纳粹的迫害移民美国，他是有条件过很好的物质享受的，但是他仍保留像穷学生那样简朴无华的生活。

当爱因斯坦来到普林斯顿的高等科学研究所工作时，当局给了他相当的高薪——年薪一万六千美元，他却说：“这么多钱，是否可以给我少一点？给我三千美元就够了。”

爱因斯坦对自己的衣着也是不注意的，长年披着一件黑色皮上衣，不穿袜子，不结领带，裤子有时既没有绑皮带也没有吊带，他和人在黑板前讨论问题时，一面写黑板，一面要把那像要滑下的裤子用手拉住，这种情形是有些滑稽，而他的头发却留得长长的，不加修饰。这对当年“贵族学府”普林斯顿大学的学生来说是惊异的事，难怪他们要希望上帝叫他把头发剪掉。

爱因斯坦是很节俭的人，他在计算的纸上是两面都写，而且他把许多寄给他的信的信封裁开，当作计算的草稿纸，不让它们在进了纸篓之前失掉可以再利用的价值。爱因斯坦在外出时经常坐二、三等车，平时只吃一些简单的食物。

1909年7月，爱因斯坦应邀到日内瓦，参加隆重的日内瓦大学三百五十周年校庆和纪念建校人加尔文的庆祝活动，并接受日内瓦大学颁发给他的荣誉博士学位。在庆祝活动的游行中，学校里的显要人物和政府中的大人物，都身穿燕尾服、头戴高礼帽，或者身穿中世纪式的锈金长袍，头戴平顶丝帽，而爱因斯坦却穿着一套平时上街穿的衣服，戴着一顶草帽。对这次庆祝活动所举办的盛大宴会，爱因斯坦很不以为然，他对坐在旁边的人说，“如果加尔文还活着，他会堆起一大堆柴禾，因为搞这样的铺张浪费的盛宴而把我们全都烧死。”

爱因斯坦自己曾说过：“安逸和幸福，对我来说从来不是目的。我称这些伦理基础为猪倌的理想……”。他甚至拒绝自己被安排在上流社会中，而居于与众不同的地位，对社会上对他的特殊照顾感到愤怒。

爱因斯坦是很珍惜时间的人，他不喜欢参加社交活动与宴会，他曾讽刺地说：“这是把时间喂给动物园。”他集中精神专心的钻研，他不希望宝贵的时间消耗在无意义的社交谈话上。他也不想听那些奉承和赞扬的话。他认为：“一个以伟大的创造性观念造福于全世界的人，不需要后人来赞扬。他的成就本身就已经给了他一个更高的报答。”1929年3月，为了躲避五十寿辰的庆祝活动，他在生日前几天，就秘密跑到柏林近郊的一个花匠的农舍里隐居起来。

作为物理学革命中的伟大科学巨匠，爱因斯坦从来没有自认为是一个超人。他认识到，自己所走的道路是前人走过的道路的延伸，科学的新时代是在前人工作基础上的合理发展，因此他总是抱着感激和敬仰的心情赞赏前人的贡献。

在谈到相对论的创立时，他说：“相对论实在可以说是对麦克思韦和洛伦兹的伟大构思画了最后一笔，因为它力图把场物理学扩充到包括引力在内的一切现象。”爱因斯坦曾几次在信中对赞扬他的成就的朋友写道：“我完全知道我没有什么特殊的才能：兴趣、专一、顽强工作，以及自我批评使我达到我想要达到的理想境界。”

全人类命运的关注者

爱因斯坦热爱科学，也热爱人类。他没有因为埋头于科学研究而把自己置于社会之外，一直关心着人类的文明和进步，并为之顽强、勇敢地战斗。他说过：“人只有献身于社会，才能找出那实际上是短暂而又有风险的生命的意义”，他自己正是这样去做的。

1914年4月，爱因斯坦接受德国科学界的邀请，迁居到柏林，8月即爆发了第一次世界大战。他虽身居战争的发源地，生活在战争鼓吹者的包围之中，却坚决地表明了自己的反战态度。9月，爱因斯坦参与发起反战团体“新祖国同盟”，在这个组织被宣布为非法、成员大批遭受逮捕和迫害而转入地下的情况下，爱因斯坦仍坚决参加这个组织的秘密活动。

冯巩主演的《离婚合同》

上映年度: 1990

剧情简介:

同在飞天舞厅工作的刘流和宁娃离了婚，但因住房问题一时难以解决，他们只好还住在两间一套的单元里。两人还拟定了一份"离婚合同"，商定互不干涉对方的生活。舞厅经理准备提升宁娃为领班，宁娃高兴极了。可她很快发现，这个有妇之夫对她抱有不可告人的企图。歌手月蓉对刘流倾心已久，见刘流已和宁娃分手，便大胆地向他表白了爱意。刘流尽管很喜欢月蓉，却仍是旧情难忘，时刻在关注宁娃的一举一动，并在暗中保护她。谁知，宁娃对刘流的所作所为毫不动心，反而觉得他善良得让人受不了。宁娃的冷漠刺痛了刘流的心。紧接着，他又被一心想讨好宁娃的经理炒了鱿鱼。刘流误以为是宁娃和经理联手整他，借着酒劲儿将满腹的怨恨一股脑儿倾泄到宁娃身上。面对单纯、热情的月蓉，刘流感情的天秤开始倾斜。一天，刘流一年多来坚持照顾曲师傅的事迹在电视上播出，一夜之间他成了新闻人物。而刘流却坦诚地向观众道出自己的苦衷。刘流的真实和直率搞得记者无可奈何，却使宁娃怦然心动。灯娃意识到自己在完全失去了刘流时，方才真正感受到他身上的许多可爱可贵之处。因而，内心又萌出缕缕眷恋之情。于是，她开始干扰刘流和月蓉的"好事"。刘流因此和宁娃爆发了一场"舌战"，刘流指责宁娃违反了"合同"中的有关规定，而宁娃则一不做二不休，把"合同"撕得粉碎。第二天早晨，宁娃发现刘流不见了。深陷在宁娃和月容情感漩涡中的刘流，正独自坐在体育场的观众席上细细地品味，苦苦地思索……

爵士乐概述

在不到一个世纪的时间内，这种名叫爵士乐，具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它，爵士乐以多种形式呈现出繁荣景象，从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime)，经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士。令人惊异的不是爵士乐以如此众多的形式出现，而在于其每一种形式都相当重要，都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。如果要欣赏各种爵士乐，体会个中种种乐趣，就不能不需要拥有开放的态度，兼容并听。

寻根溯源

爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。但它的根肯定是由黑人奴隶从非洲带来的。他们从各自的古老文化传统中撕裂开来，将民歌发展成为以歌曲讲故事的一种新的交流形式。美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色，节奏特色明显，而且保留了集体即兴创作的特点。这种传统与新居住地的音乐一一大部分是声乐——结合起来，结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。

最有名的非洲—美洲音乐是宗教性的。这些优美动人的歌曲白人也听，不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。今天人们所知道的福音音乐(gospel music)更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，而不是对本世纪起初十年中著名的Fisk Jubilee Singers的音乐中宗教性的继承。

其它早期的音乐形式包括可以追溯到蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲，这些都成为重要的音乐遗产，特别要考虑到在当时的制度下，音乐活动受到相当严格的限制。

布鲁斯的诞生

在蓄奴制被废，黑人奴隶得到解放以后，非洲—美洲音乐的发展很快。军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底：铜管乐、舞曲、布鲁斯。

布鲁斯作为一种音乐形式看似简单，实际可以有几乎是无穷的变化，一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，而且它成功地保持了自身独立的存在。可以说如果没有布鲁斯就不可能有今天的摇滚乐。简单说明一般布鲁斯的特点就是：它以每八或十二小节为一个乐段的音乐所组成，歌词紧密，它的"忧郁(蓝色)"特色产生的原因是将音阶中的"mi"音及"si"音降了半音。实际上，布鲁斯是作为与宗教音乐相对应的一种世俗音乐形式。

铜管乐队和拉格泰姆

到了十九世纪八十年代后期，在美国绝大多数南部城市内，都出现了黑人铜管乐队、舞曲乐队及音乐会乐队。与此同时，美国北部的黑人音乐倾向于欧陆风格。在该时期，拉格泰姆(Ragtime)开始形成。虽然拉格泰姆主要是在钢琴上弹奏，但是一些乐队也开始演奏它。拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年，但它的时问跨度实际很大，影响绵延不绝。最近，它又被发掘出来，新的"拉格泰姆"特征是旋律迷人，大量使用切分音，但它的布鲁斯因素几乎荡然无存。拉格泰姆与早期爵士乐联系密切，但可以肯定的是拉格泰姆节奏较为稳定。

拉格泰姆最有名的作曲家是Scott Joplin(1868-1917)。其他有名的拉格泰姆大师包括James Scott、Louis Chauvink Eubie Blake(1883-1983)、Joseph Lamb等，其中后者虽然是白人，然而他完全吸收了这种音乐形式的内涵。

进入爵士时代

拉格泰姆，特别是淡化爵士色彩的通俗风格，其娱乐对象是中产阶级，为正统音乐人士所不喜。在十九世纪最后十年内，爵士音乐逐渐形成，但当时还不叫"爵士"(Jazz)，它最初被称为Jass，首先出现在美国南部城市黑人工人居住区内。和拉格泰姆一样，爵士乐最初也是作为舞曲出现的。最早成为早期爵士乐同义词的城市是新奥尔良，这种说法有几分真实，但也有几分夸大。

新奥尔良：爵士乐的摇篮

新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在这里，对爵士乐早期的历史研究及记录比在其它地方都进行得更加深入。在1895年到1917年这一段时间里，新奥尔良的爵士乐比起其它地方可能是种类更多、更好，但这绝不意味着新奥尔良是产生爵士乐唯一的一个地方。在每一个有相当数量黑人聚居的美国南部城市所产生的音乐都应被视为是早期爵士乐的一种。如在孟菲斯就出现了W．C．Handy(1873-1958)这样一位布鲁斯作曲家和搜集者。其它城市还有亚特兰大、巴尔的摩等。

当时的新奥尔良显得卓而不群得益于其非常开放及自由的社会氛围。不同信仰及不同种族的人可以相互联络，因此在这种容易沟通的环境下的音乐传统十分丰富，有法国的、西班牙的、爱尔兰的及非洲的。这样，新奥尔良成为孕育爵士乐的肥沃土壤就一点也不奇怪了。

如果说新奥尔良是爵士乐诞生之地的这种说法虽有夸大，但还不失几分真实的话，那种关于爵士乐是诞生于红灯区的说法则完全是胡说八道。虽然新奥尔良的确曾经使娼业合法化并因此产生了几座全美国最精致和有品味的"运动屋"，但是在这些地方所演奏的音乐如果有也只是钢琴独奏而已。实际上，人们第一次听到爵士是在与此颇不相同的场所。

当时，新奥尔良引人注目的是有许多社团及兄弟会式的组织，它们大部分资助或雇佣一支乐队以在不同的场合——如室内或室外舞会、野餐会、商店开张仪式、生日或周年纪念派对上演奏。当然，演奏爵士乐也是葬礼队伍行进的一个特色，一直到今天还是这样。根据传统，乐队集合在教堂门口，演奏着庄严的进行曲及悲伤的圣歌，带领着葬礼队伍向着墓地徐徐前进。在回来的路上，人们的步伐加快，轻快的进行曲和拉格泰姆代替了挽歌。这种列队行进总是能吸引很多人观看，在爵士乐的发展上有重要意义。那些小号手及单簧管手们就是在此时一展其创造天分，而鼓手们也打出了富于节奏性的节拍，这成为使拍子变得"摇摆"的基础。

早期音乐家

在这些早期的乐队中乐手绝大多数是某种工匠(木匠、砌砖匠、裁缝等)或者是那些在周末或假期内作音乐演出并赚些小钱的干活人。

第一位新奥尔良的有名乐手，就是第一个爵士乐手是Buddy Bolden(1877-1931)，他是一位理发师。他演奏短号并于十九世纪九十年代后期组成了一个乐队。他可能是第一个将根源、粗糙的布鲁斯与传统乐队音乐结合起来的人，这一步在爵士发展史上意义重大。

Bolden在Mardi Gras的一次游行演出时因精神病发作而被收治，余生在一家收留顽固患者的精神病院度过。据说他曾灌录了唱片，但迄今无法证实。我们所了解的他的音乐来自于另外一些在年轻时曾听过他演出的音乐家们的回忆。

Bunk Johnson(1889-1949)曾在Bolden的最后一支乐队里吹过第二短号。在他生命最后十年，人们之所以能对新奥尔良古典爵士乐重新产生兴趣，其中居功至伟的便是Bunk Johnson。他是一位杰出的讲故事能手，个性丰富多彩。新奥尔良的传奇故事大部分与他有关，但由他亲口讲出的基本上以夸张的成分居多。

许多人包括一些资深的爵士乐迷都相信早期的爵士音乐家都是自学成才的天才，认为他们既不识谱又没上过一天音乐课。这种说法浪漫有余，可是谬之千里。几乎所有早期爵士乐中重要人物至少在正统音乐基础方面都是很扎实的，有些造诣还要更深。

虽然如此，他们在乐器使用上的创新精神仍是独具的。最显著的例子要数Joseph O1iver(1885-1938)(绰号"国王")，他是个短号手及乐队领袖。他曾使用过能找到的各种东西，包括饮水杯、装沙子的桶、及浴缸塑料水塞之类的东西来使他的短号吹出多种音色变化。Freddie Keppard(1889-1933)是O1iver的主要竞争对手，Keppard不用弱音器材，这使他可以以作为新奥尔良最嘹亮的短号手而自豪。Koppard也是第一个将爵士乐带到美国其它地区的新奥尔良人，1915年，他与Original Creole管弦乐队合作在纽约表演轻歌舞剧。

爵士乐北上

到1912年左右，典型爵士乐队的乐器包括短号(或小号)，长号、单簧管、吉他、低音提琴及鼓。(因为不便搬运，所以很少使用钢琴)。早期爵士现在给人的印象是班卓琴和大号比较突出，实际上爵士乐队开始使用它们还是后来几年的事，这是因为早期的录音技术还不能对声音更轻柔的吉他和低音提琴进行拾音。

在当时的爵士乐队中担任领奏的是短号，长号与其在低音区以滑音方式与其作和弦呼应，单簧管在两者中作修饰性的演奏。在爵士乐中最早作即兴演奏的是单簧管手，Sidney Bochet(1897—1959)就是其中一位。他不到十岁就是熟练的乐手了，后来他转向以演奏高音萨克斯为主。他也是第一个在国外扬名的爵士音乐家。1919年他访问了英格兰和法国，1927年他访问了莫斯科。

大多数的爵士乐手声称他们的音乐没有除了拉格泰姆(ragtime)及切分音之声(syncopated sounds)以外的其它名字。首先使用爵士(jazz)这个词的是长号手Tom Brown的乐队，他是来自于新奥尔良的一个白人。他于1915年在芝加哥使用了这个词。这个词的来源不明，其最初的含义一直是众说纷纭。

第一个使用“爵士”这个词并使之流传不衰的的乐队也是一支白人乐队，而且也来自新奥尔良，这就是“Original Dixieland爵士乐团” (OriginaI Dixieland Jass Band)。这个乐团在1917、1918年取得了巨大的成动，他们多少算是第一支灌录唱片的爵士乐队。这支乐队的成员绝大部分都曾在“老爸”Jack Laine(1873-1966)的乐队里干过。Jack Laine是一个鼓手，被认为是第一个白入爵士乐手。不管怎么说，在新奥尔良的音乐融合特征比较明显。有一些肤色不太黑的非裔美国人“混”进了白人乐队。

到了1917年，许多重要的爵士乐手离开了新奥尔良到北方去，这里面有白人也有黑人。其中的原因并不是新奥尔良臭名昭著的红灯区的关闭，简单地说不过是经济方面的原因。欧洲大战使美国的工业欣欣向荣，这些乐手和那几百万工人一样涌向北方，在那里有保障可以找到一个更好的工作。

小路易斯和“国王”Joseph O1iver

“国王”Joseph O1iver于1918年移居芝加哥。他原来在老家最好的一支乐队里，为填补他的空缺，他推荐了18岁的Louis Armstrong(路易斯阿姆斯特朗)——比他年长的人都叫他“小路易斯”，他生于1901年8月4日，家境在新奥尔良的黑人中也算是赤贫。他最早的音乐活动是组织了一个男孩四重唱小组在街上唱歌讨钱。后来他卖过煤炭也在防洪堤上干过。

louis Armstrong的第一次音乐课是在感化院中上的，他是因为于1913年新年除夕用一只旧手枪向大街上放空包弹而被送进感化院中度过18个月。当他从感化院中出来的时候，他的音乐水平已足够在市里的乐队中找份活。第一个发现这个年轻人的音乐天分的成名音乐家是“国王”Joseph Oliver,他给路易斯上音乐课并被其崇拜。

Creo1e爵士乐团

当奥里佛邀请阿姆斯特朗加入他在芝加哥的乐队时，芝如哥成已为新的世界爵士中心。虽然纽约是“Original Dixieland爵士乐团”(ODJB)取得巨大成功的地方，由他们引起的随乐跳舞的风气一时之兴，但是在纽约的乐队好像只继承了ODJB的杂耍风格，而没有学到其音乐上的精髓。他们只是模仿而已(第一个也是最成功的是Ted Lewis)。当时在纽约的南部乐手也少得可怜，所以不能带来新奥尔良的纯正风格。

但在芝加哥情况则有所不同，其中有大量来自新奥尔良的乐手。禁酒令刚刚废除，这所城市的夜生活可谓丰富多彩。在这里比别的乐队都好一大截子的是“国王”Joseph Oliver的“Creo1e爵士乐团”(Creo1e Jazz Band)，特别是在Louis Armstrong于1922年来芝加哥以后。这支乐团代表了新奥尔良古典爵士合奏风格的最后辉煌，也预兆着新的风格的开始。除了这两个短号手，乐团中另外的明星包括Dodds兄弟，即单簧管手Johnny Dodds(1892—1940)和鼓手Baby Dodds(1898-1959)。Baby Dodds给爵士乐的鼓节奏的微妙及内在动力提高到一个新的层次，与另一个新奥尔良出生的鼓手Zutty Singleton(1897—1975)一起，他给爵士鼓演奏带来了“摇摆”的概念。但是摇摆乐的“传教士”毫无疑问仍是Louis Armstrong。

第一张爵士乐唱片

“Creo1e爵士乐团”于1923年开始灌制唱片，虽然这不是第一支灌制唱片的新奥尔良黑人乐团，但却是最好。他们的唱片在全国广为发行，乐团对于其它乐手的影响也是巨大的。在此两年前，长号手Kid Ory(1886—1973)的“阳光管弦乐团”(Sunshine Orchestra)成为第一个灌制爵士乐唱片的乐团，但是他们是在一家不起眼的加利福尼亚公司灌制的，该公司不久破产，他们的唱片因此很少被人听到。

也是在1923年，“新舆尔良节奏之王”(New Orleans Rhythm Kings)——一支活跃在芝加哥的白人乐团开始录制唱片。这支乐团在音乐上远比以前的“Original Dixieland爵士乐团”复杂。在一次录音中，他们聘用了来自新奥尔良的著名的钢琴手兼作曲家绰号为“果冻卷”(Jelly Roll)的Ferdinand Morton。同年，Ferdinand Morton也开始了自已唱片的录制。

“果冻卷”Ferdinand Morton

Ferdinand Morton在1938年为美国国会图书馆所录制的一系列唱片成为了解早期爵士的宝藏。他非常复杂，此人自负、野心勃勃，夸张一点说，他还是个骗子、皮条客、赌徒，但他同时也是一位杰出的钢琴手和作曲家。他的最大才能可能在于组织乐队及编曲。他于1926年到1928年率他的“红辣椒”乐团(Red Hot Peppers)录制的一系列唱片连同Josheph O1iver的唱片可以说是新奥尔良传统爵士乐最辉煌时期的见证，是爵士乐伟大成就的一部分。

Louis Armstrong在纽约以及大乐团的诞生

对于富于创造力的天才Louis Armstrong来说，传统无疑就像一道紧箍咒。在1924年后期他接受了纽约最具声望的黑人乐队领袖Fletcher Henderson(1897—1952)的邀请，辞别了Joseph O1iver。Fletcher Henderson的乐团在纽约位于百者汇的Roseland舞场演出，这是第一个在爵士乐史上具有重要意义的大乐团。

第一支大乐团从当时的标准舞乐团发展而来，组成是由三把小号、一把长号、三支萨克斯、其它簧片乐器均为两件，钢琴、班卓琴、低音乐器(低音提琴或低音铜号)、鼓。这些乐团都是依谱演奏(编曲谱或“曲表”)，但是也给予作为重头人物的独奏乐手以创造发挥的自由，可以不依曲谱演奏。

虽然Fletcher Henderson的乐团在当时一枝独秀，但在Louis Armstrong加入时,乐团还是在节奏上显得不大平滑、灵活性不够。录音中他那流畅优雅的独奏听起来就像一颗钻石放在了锡座上。

Louis Armstrong的风格特点在当时就己发展成熟。他第一个在小号上奏出了极动听、极吸引人的音乐。他在曲调上的创造性发挥令人耳目一新但又合乎逻辑。在节奏上表现出的平衡性(爵士乐手称为“点儿”—time)使其他乐手的演奏与他相比无不显得僵硬笨拙。

他对于其他乐手的影响是巨大的，但是Fletcher Henderson并没有给他以许多的独奏表现机会，这可能是他认为他为之演奏的白入舞客尚没有准备接受Louis Armstrong的创新风格。在乐团中呆的这一年中,Louis Armstrong从风格上改造了这只乐队，后来最终全美国的大乐团的风格都因其而得到改造。

F1etcher Henderson乐队的主要编曲者Don Redman(1900-1964)听到了Louis Armstrong的吹奏并记下了谱。另一位萨克斯手Co1eman Hawkins在与Louis Armstrong合作后也发展了自己的萨克斯吹奏风格，从而成为未来十年中的萨克斯演奏指路人。

在纽约的时候，Louis Armstrong也曾与Sidney Bechet，Bessie Smith(1894-1937)合作录过唱片，后者是最伟大的布鲁斯歌手。1925年，Louis Armstrong回到芝加哥，开始以自己的名义和一个小乐队“热力五入组”(Hot Five)录制唱片，乐队成员包括他的妻子——弹钢琴的Lil Hardin Armstrong(1899—1971)，长号手Kid Ory1，单簧管手Johnny Dodds，吉他手Johnny St．Cyr。他们的第一张唱片着力突出了比Louis Armstrong个人，首先是在美国，然后是全世界,成为在乐手中引起轰动的专辑。可以说如果没有电唱机，爵士乐的传播乃至其全面的发展都是不可能的。

“国王”路易斯

“热力五人组”(The Hot Five)严格地说是个录音乐队。因为对于每首作品，路易斯阿姆斯特朗在不同的场合下都演奏过，其中包括在剧院的乐池中。他的技艺日臻精进，终于在1927年，他从吹短号转而吹更嘹亮的小号。他偶尔也会一展他那独一无二的豆沙歌喉，但只是求其新奇而己。1929年他的歌喉的流潜质一露峥嵘，当时他回到纽约参加了一出音乐剧的演出，其中演唱了著名的歌曲“Ain't Misbehaving”(“不是瞎胡闹”)，而且演奏了钢琴手“胖子”Thomas Waller(1904—1943)所写的著名曲子。他因此成爵士乐中的器乐家、歌手、表演家。

路易斯阿姆斯特朗艺术上的顶峰是在随后的一年与另一位钢琴手Earl Hines(1903—1983)合作时达到的。“老爸”Earl Hines是第一个与路易斯阿姆斯特朗水平相当的合作者,两人在灵感上互相激励。由于两人的合作而产生了几首真正的爵士乐代表作，包括《West End Blues》及二重奏《Weatherbird》。

爵士时代

路易斯在二十年代的乐坛上一时风头无二。实际上，他一手促成了当时及以后的爵士音乐语汇的形成。但是爵士时代的大部分爵士乐都是由那些年轻人用班卓琴及萨克斯奏出的活泼舞曲，他们对于布鲁斯或路易斯阿姆斯特朗的音乐理解甚少。尽管如故，这个快乐舞曲时代所产生的音乐中，还是有令人吃惊的一部分含有真正的爵士元素。

Paul Whiteman——爵士之王

作为乐队领袖，最有名的当属Paul Whiteman(1890—1967）他被称为爵士之王。但颇有讽刺意味的是，他的第一个取得成功的乐团根本不演奏爵士乐，他后来领导的乐团演奏爵士乐也少得可怜。不过这些乐队演奏的舞曲极其精彩。由于Paul Whiteman出手阔绰，吸引了一些最好的白人乐手为他的乐队作曲及演奏。从1926年起，Paul Whiteman有时给一些受爵士乐影响的乐手一些独奏机会，这些人有短号手Red Nicho1s、小提琴手Joe Venuti、吉他手Eddie Lang(1904—1933)、“Dorsey兄弟”乐队的长号兼小号手Tommy(1905—1956)、单簧管及萨克斯手Jimmy(1904—1957)，这些人后来都各自组成了自己的乐队。

1927年，Whiteman接纳了Jean Go1dtte的爵士乐队的主要乐手，其中有一位年轻的短号手(有时也弹钢琴)，他是一位难得的天才作曲家，这就是Bix Beiderbecke(1903—1931)。Bix十分抒情、个人化的音乐加上他的早夭使他成为第一个(也是最持久的)爵士乐传奇人物。他的浪漫化人生成为一本书和一部**的灵感之源，但是两者与真实情况皆相去甚远。

Bix创造力最旺盛时期，他最好的私人朋友也是他在音乐上最好的朋友当属萨克斯手Frank Trumbauer(1901—1956)，人们亲呢地将两者称为“Bix和Tram”。如果没有两人精彩的呼应及独奏演出，Whiteman乐队所灌录的唱片就可能是白开水一杯，十分乏味。

Beiderbecke的遗产

Bix苦乐参半的抒情风格影响了许多心怀抱负的爵士乐团，其中就有所谓的“奥斯汀中学帮”，这是一群有天分的芝加哥青年人，其中只有寥寥几人真的上过奥斯汀中学。这些人中的一些到了摇摆舞时代后出现了几个热心的倡导者，其中有鼓手Gene Krupa(1909—1973)、Dave Tough(1908—1948)、单簧管手Frank Teschemacher(1905—1932)、萨克斯手Bud Freeman(1906—1991)、钢琴手Joe Sullivan(1906—1971)、Jess Stacy(1904—)；吉他手兼企业家Eddie Condon(1905—1973)。与他们同时代的人，有时还是并肩战斗的战友有单簧管天才Benny Goodman(1905—1986)和稍为年长的Mezz Mezzrow(1899—1972)，后者在1946年出版了自传《Really the B1ues》(《真正的布鲁斯》)，其中虽然有不甚确切的地方，但仍不失为最好的爵士乐专著之一。

Trumbauer，虽然声名不及Bix，但受他影响的音乐家人数比起受Bix影响的人数不算少，其中有爵士乐史上最伟大的萨克斯手Benny Carter（1907—）及lester(Prez)Young(1909—1959)。

参考资料：

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《轻松自学键盘》 （美）布莱克尼利 盖瑞梅斯勒 （南海出版公司）

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《轻松自学架子鼓》 （美）布莱克尼利 瑞克马汀利 （南海出版公司）

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《贝司圣经》 （美） Paul Westwood （吉林音像出版社）

《Heavy Metal Lead Guitar》 (美）Troy Stetina

《Heavy Metal Rhythm Guitar》 (美）Troy Stetina

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《流行音乐与爵士乐和声学》 任达敏 著 （人民音乐出版社）

《流行音乐和声技法》 蔡松琦 著 （上海音乐出版社）

《伯克利现代音乐学院和声学课程教材》 （美）(内部资料）

《伯克利现代音乐学院编曲课程教材》 （美）（内部资料）

序言

欧美的流行音乐，异彩纷呈，百花齐放，不管是蓝调，爵士，乡村，摇滚，灵魂，流行，世界音乐reggae，福音gospel，新世纪new age舞曲，hiphop，当代RNB, 都有他们各自的舞台，有他们自己的独特表达方式和魅力。构成了五光十式的欧美当代流行音乐文化。 每一个听众都可以找到他自己喜欢的音乐形式，陶醉在其中。喜欢听蓝调的可以在蓝调里面释放心灵，喜欢摇滚的可以追捧他们的摇滚英雄在强烈的音乐当中忘我，喜欢流行的可以浓情蜜意，喜欢hiphop rnb 的可以随心所欲兴之所至跟随节奏来段街舞rap上一段。。。每个人都能找到他自己的音乐空间释放自我。 但是不管是那一种音乐形式，可以说主要都是由3种基本的音乐元素构成的。那就是来自非洲黑人的布鲁斯（蓝调）、美国本土西部白人的乡村音乐，还有就是欧洲几百年的传统大小调体系的调式音乐。此外还吸收了世界各国的民族音乐元素比如拉丁美洲音乐。 这3种元素就像是美术里面的三原色，互相渗透，交相辉映，创造出了多彩多姿的欧美现代流行音乐文化。

在今天，一个欧美的音乐人如果不懂布鲁斯，不懂从爵士发展来的现代和声，那么，是不配称之为音乐家的。就算是在美国当代的管弦乐作品中，同样大量的使用了从爵士发展来的现代和声，合成器音色，电声乐器，爵士鼓等现代音乐的手段。因为音乐艺术不是静止的，不是固定在某个时空段的，它是随着时代的发展而发展的，不使用现代的音乐语言，现代的手法手段，怎么表达现代人的思想？现代人的生活？？现代人的节奏？现代人的喜怒哀乐？现代人的美学观念？现代人的科技生产力？ ？可怜我们的学院派教育，大多还停留在古典的音乐知识体系。 华语歌坛，作品千篇一律，歌曲大多雷同。 皆因所使用的音乐语言都是传统的以调性、调式为基础的大小调功能和声体系的东西，及国内还有少量一些民族调式的东西亦配以传统功能调式和声体系配置和声。 这种传统的调式音乐，已经听了几百年了，实在难以对现代人的听觉产生新鲜感。现代和声学（Contemporary Harmony) 在古典的基础上吸收了爵士乐、布鲁斯的手法，使到音乐的色彩更加丰富，对比更加强烈，改变了传统和声学（Traditional Harmony) 那种庄重、刻板的以强调和谐为主的感觉。

现代电声音响的发展，大大改变了传统配器的手法、原则。任何音乐产品都要通过电来记录、还原，音响工程师对音乐作品的再加工，是现代科技对音乐艺术的直接干预，这个干预造直接成了配器原则的变化。比如传统配器法讲究音量平衡，例如两支小号要等于四支圆号，八支木管要等于十六把提琴才能取得音量平衡。。。。。。现在的音乐作品一把木吉他的音量可以比整个交响乐队还大。 传统的配器法禁止平行五度进行，因为声音效果空洞;现代的电吉他重金属强力和弦恰恰就是平行五度的进行，因为通吉他效果器、音箱，这种失真音色产生了大量频谱丰富的泛音，不但不空洞甚至可以吵死人。电声的干预对传统配器法的音乐织体、乐队编制、乐队方位，音量平衡、音色对比观念都来了一场革命。现代的效果器、模拟合成器产生的奇妙、变幻无穷的音色更是大大扩展了配器的概念。自从甲壳虫乐队（The beatles)开始的探索、创造和革新到现在，电声因素在现代音乐中的地位和作用是越来越重要。

另外由于华人音乐教育、音乐知识的薄弱、华人音乐鉴赏水平的有限，导致唱片工业一味迎合市场的需求而作品水平低下。试想在德国，素质教育要求每个学生要掌握两门乐器，粗制滥造的音乐产品还能有市场吗？？此外还有文化观念，人文理念等内在的因素，这一次都是导致华语乐坛不能产生像欧美流行音乐那样的经典代表作。所以我们应该补充一些新的知识，新的音乐元素，新的音乐手段，提高鉴赏的水平，丰富精神世界。有见及此，特地在这个板块系统的介绍一下当代欧美的各种流行音乐风格流派并一些代表作品的视听，以期起到抛砖引玉，启迪思维的目的。

一。 蓝调

蓝调，在欧美流行音乐的发展中始终扮演着重要的角色：从民歌到歌剧、流行曲到交响乐、圣歌到摇滚乐、爵士乐到乡村音乐，无不受蓝调的影响。事实上从爵士乐的咆哮乐到现今的流行曲、摇滚乐，在反复的和弦框架中连续激昂、快速地即兴、变奏、填音，即根植于蓝调的即兴哼唱。

蓝调，Blues，原是“哀怨、忧郁”的意思。常又按照音译叫作布鲁斯。 是美国南北战争以后，黑人民间产生的一种演唱形式，如“做工歌”和教堂“福音歌”。 请注意，是演唱形式，并不是器乐形式。南北战争之后，黑人被解放了，但是仍然没有工作，没有体面的住屋、无权受教育并被打入社会和经济的最底层，因此他们在做工，布道、送葬时吟唱非洲的特有蓝调音符，表达内心的不满与悲凄。其形式多采一人领唱（工头或牧师），众人呼应跟着复诵一遍，并将原旋律稍作变化，加入许多黑人所习惯的装饰音及滑音，这种“呼喊与回应”的“作工”歌就是最初、最原始的“蓝调”。

后来一些黑人流浪歌手、街头艺人为了抒发个人情感、表达自身的爱恨情仇及所受的苦难于恩宠，改以自弹自唱的方式，仍承袭“做工歌”的“呼喊-回应”形式，只是回应方式改为片断的器乐过门（通常为吉他），歌词以简易的“三句诗”为原则。歌多哀怨、凄凉是一种即兴音乐，演唱自由，乐手一边演奏一边现编旋律，歌手一边自弹吉它一边自撰歌词演唱，带有呼喊，哭泣的声调。伴奏乐器有吉它，口琴等，而且常模仿人声，（布鲁斯口琴的滑音非常有特色），与歌曲形成对答。后来有人即称此种悲歌为“蓝调” （BLUES）。这种进入了城市的布鲁斯主要反映城市生活的感受，它的结构固定，4/4拍，12小节分成三句，叫做布鲁斯3句体。两行的押韵诗句，分为3句，每4小节为一句，第二句重复一次以致有时间可以酝酿第3句也就是第2行的押韵诗句。伴奏可能是乐队，也有的用钢琴，伴奏和声趋于规范。下面就是布鲁斯的最基本形式： 12小节布鲁斯。

曲式： A | A'; | B |

小节： 1 2 3 4 | 5 6 7 8 | 9 10 11 12 |

和声： I--- | IV-I- | V IV I V |

在蓝调的发展中，一方面由于他加进了乐队伴奏进而演变成一器乐为主的爵士乐，同时“散拍”音乐“Ragtime”的切分音特色的加入使其形成了典型的爵士摇摆乐（Swing）。蓝调节奏中最常见的一种Shuffle(把音符时值由传统的2分法变为3分法，2个8分音符分别演奏为一拍的2/3和1/3）和“布吉乌吉”（Boogie-Woogie)更为爵士乐的节奏带来活力。因此可以说没有蓝调就没有爵士乐。经过年代的演进、乐手们的实验与各类型音乐的互相影响下，爵士乐所使用的音阶、和弦、节奏更趋多样，而形成各种爵士风格。

另一方面，蓝调的一个分支的节奏越来越强，改变了传统的慢速为中快速，使其原有的忧郁表情和曲调性减弱，就形成了具有新特点的节奏与布鲁斯。 （Rhythm & Rnb) 也就是摇滚乐的前身。 通常使用把音量扩大得极响的扩音器，具有强烈而粗野的节奏，使用电声乐器，钢琴，电吉他，萨克斯，低音提琴和鼓等，演唱者音色粗糙、沙哑，常使用喊唱和滑音唱法来抒发个人情感体验。五六十年代的摇滚乐，其实完全就是节奏与布鲁斯，大家可以从猫王那个时代的唱片中听到。 大家请注意这种古典的节奏与布鲁斯（Classic RnB)还是具有布鲁斯音乐的特征的，例如使用布鲁斯音阶和传统的布鲁斯曲式。 现在满大街都听到的现代的节奏与布鲁斯（modern RnB)，或叫都市节奏与布鲁斯（Urban RnB），像近几年出现的所谓的节奏布鲁斯歌手白兰蒂和莫尼卡（Brandy＆Monica）、布莱恩麦克奈特Brian Mcknight），华人跟风的有周杰伦、林俊杰等人的音乐，其实已经不是真正的节奏与布鲁斯了，如果硬要从理论上分析的话，只能把它看作是一种被商业化了的，被流行音乐市场漂白过的黑人音乐，在它里面找不到具有布鲁斯特征的布鲁斯蓝调怨音，有时偶尔在演唱中还能找到几个由滑音带出的布鲁斯音符，而强调反拍的律动成了他的主体。其实这种当代的RnB 是Funk 节奏（以十六分音符为单位，大量的切分及重音移位）和Soul唱法结合的一种黑人音乐。 在美国由于种族歧视原因一段时间内所有的黑人音乐都叫做RnB（节奏与布鲁斯），这就是为何在它成为当代最主流的流行音乐形式之后，仍然叫做RnB但是又和传统意义的真正RnB有所区别的原因Billboard杂志曾介定 RnB为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 RnB，可见 R&B的范围是多么的广泛。

但是并不是所有的节奏布鲁斯都是如此，比如1997年的两首格莱美获奖作品：埃里克克莱普顿（Eric Clapton）的《改变世界》（Change The World）和翠西查普曼（Tracy Chapman）的《给我一个理由》（Give Me One Reason，例17）就是既融进流行音乐成分又保持布鲁斯特征的现代节奏布鲁斯佳作。节奏布鲁斯作为摇滚乐的重要来源之一，已成了历史的见证,它在影响了摇滚乐之后,自身的不断发展，又使其变成了当今流行乐坛最受宠爱的乐种之一。

蓝调是从歌唱中起源的，后来才加入器乐伴奏。所以从一开始布鲁斯音乐就有强烈的声乐性。 蓝调里面 3 7 5 三个音级都要唱得偏低才有蓝调的味道 。这几个降音级是布鲁斯特有的风格音，称为布鲁斯音级。 又叫蓝调音或怨音 。 这3个音的音准偏低而且不固定，这是通过演唱时贫直觉及感情的变化通过 worry 或 bend的手法，使这几个音级的的音高在本位音与降半音之间游移 。只是为了记谱简便起见常记为降半音。 音高上的不固定性是蓝调的特点，由此他产生了很多自由，即兴的表现形式。因为音准不稳定本来就是蓝调的重要特征，由于蓝调源于声乐而不是器乐；因此滑音、不规范的颤音、推弦音等非平均律的音调都被允许使用，这在吉他尤其明显。

索尔（soul）唱法同样根植在黑人布鲁斯音乐的基础上，在旋律上提倡自由性， 节奏上讲究灵活性。演唱方式十分即兴。 SOUL 歌手 在演唱时往往只遵循旋律的大致框架，经常在旋律出现长音或间歇处即兴插入大量华彩，或在一个尾音上使用上滑音或下滑音对旋律进行装饰。大家可以听听Whitney Houston, Mariah Carey 的演唱就可以很明显的感觉到这个特点。 现代Rnb的演唱继承了soul唱法的特征，自由的节奏，自由的音高，只要不和主干旋律相违背，

一切变化都在情理之中。

所以，丛声乐上布鲁斯赋予了唱法自由的个性。 同样，从音乐上，从他独特一格的布鲁斯音阶上，同样赋予了音乐自由的可能性。在美国人的价值观念里面，自由是非常重要的概念，也所以如此，布鲁斯，爵士乐这些音乐形式才能如此深入民心，可以说，他和美国人追求自由的天性相吻合。布鲁斯音阶是一个混合音阶，这意味着这个音阶真正来自于两个音阶，即来自于相同调的大小调音阶。也就是说布鲁斯音阶即具有大调的性质，又同时具有小调的性质，它借用了两个调式的音符，然而他又不是严格意义上的大调或者小调。 他很暧昧，很包容，兼容性很强，既可为他配上大调和弦做为大调布鲁斯，也可以配上小调和弦作为极有特色的小调布鲁斯。（大调形式的布鲁斯基础音阶1 b3 4 b5 5 b7 1 看作小调形式即为6 1 2 b3 3 5 6)。 布鲁斯的3级音是小三度，使其具有小调色彩。任何布鲁斯进行中的I7（1 3 5 b7)和IV7(4 6 1 b3)和弦分别使用了3级音的两种形式(3 和b3)，因此这两个和弦互相“对立”，这违反全音阶的原理！所以布鲁斯既是非严格的大调也是非严格的小调，。它借用了两个调式的音符。 布鲁斯的紧张就是通过旋律的降3音与具有大调第3级音的I7 和弦的对抗而产生的。b5音和b7音情况相同。 在“做工歌”和教庭“福音歌”的时期，蓝调只有单一旋律，后来为了伴奏加入了欧洲音乐调式体系的和声；蓝调的和声虽然初看像是大调，其实既非大调又非小调，而是本身特有的“蓝调”。 初期和声多使用包括蓝调音符的七和弦：I7--IV7--V7--I7的进行，随着演进，爵士蓝调中的和声渐形复杂。

布鲁斯一方面被爵士乐吸收，成为爵士乐的重要组成部分；另一方面作为流行音乐的一个分支自身还在发展，并不断影响其他的各种流行音乐形式。

蓝调来源了黑人的民间音乐，从他的演唱源头来看已经决定了他的口语化特征和自然发声的特点。他那粗声粗气地演唱为流行演唱提供了样板，他那独特的音阶不受传统古典调式音乐的束缚，在以后的一百多年中，他好像音乐世界的一匹脱缰的野马，四处狂奔，所到之处无不留下他的痕迹！！纵观流行音乐的历史，爵士乐，摇滚乐，黑人索尔音乐（soul），美国乡村音乐，说唱乐，当代RnB,无不受其影响。他把音乐家的思维从严谨刻板的古典调式音乐的和声对位中解放出来，把演唱形式从强调共鸣腔体美化的西洋艺术唱法中回复到最质朴的最人性化的自然发声状态中，实现了返璞归真。可以说布鲁斯就是现代流行音乐的源头。所以每一个音乐人不管是歌手还是作曲家都应该深入了解一下布鲁斯。

布鲁斯历史上不同时期的几位代表人物：

1。William Christopher Handy 作曲家，拥有“布鲁斯之父”称号。他将布鲁斯与拉格泰姆相结合，使原来在黑人中流传的布鲁斯被不同阶层的听众接受。1960年美国邮政部发行了他的纪念邮票以表彰他的贡献。

2Bessie Smith（1894-1937）

贝西史密斯是古典布鲁斯时期最著名的女性布鲁斯歌手，1894年出生于美国的田纳西州。最早，贝西为了谋生，在杂耍班和夜总会演唱，1923年，哥伦比亚公司制作人弗莱克沃尔克;沃尔克发现了她的潜力，便为她录制了第一张唱片，没想到唱片一上市便卖出了200万张。哥伦比亚唱片公司看到这种情况，就立即与她签约，而且将她捧为旗下的头牌歌星。贝西的歌曲涉及面甚广，有反映社会问题的、有放荡幽默的，还有直截了当的性表白和流氓小曲等等。由于她在20世纪20年代主宰了布鲁斯音乐的潮流，因此人们将她称为"布鲁斯皇后"。1929年以后，她的音乐生涯出现了滑坡，她为了取得白人听众的喜爱，开始录制白人通俗歌曲，但是此时的白人音乐市场已被乡村歌手吉米罗杰斯（Jimmie Rodgers，详见乡村音乐部分）占据，贝西敌不过罗杰斯，没有拿下白人市场，回过头时，发现自己又失去了黑人听众。于是1933年以后她再也没有录制过任何东西。1937年9月26日，贝西酒后驾车，在高速公路上与卡车相撞，一只胳膊活活从身上被撕下来，最后不治身亡。

3Lemon Jefferson(1897-1930)

雷蒙杰弗逊--一位来自德克萨斯的盲人歌手，在20世纪20年代末为布鲁斯音乐留下81张唱片的布鲁斯巨人。雷蒙杰弗逊从小双目失明，但具有极高的音乐天赋。他无师自通地学会了吉他，很小就在街头卖唱。1926年以前，他一直是个街头艺术家，在黑人北迁的高潮中，他来到了芝加哥。唱片商很快发现了这位既能弹吉他、又能唱歌、还能填词编曲的天才歌手--"瞎子雷蒙"（布鲁斯圈子里都这么称呼他）。雷蒙演唱的是比较传统的农村布鲁斯，他的风格比较清淡，吉他与歌声相呼应。他的歌词比较讲究格调，没有粗鄙的用词。经过唱片公司的推广，雷蒙很快就成了家喻户晓的风云人物，同时也赢得了巨大的财富。但是他把大量的钱财用来寻欢作乐，浪费在女人和酒上。1930年的一个冬夜，他录完最后一张唱片后去了夜总会。不知什么原因，司机没来接他，他便自己步行回家，第二天被发现冻死在雪地里，享年33岁

4Charlie Parton (1885-1934)

查理帕顿，1885年出生于密西西比三角州的克利夫兰，是20世纪30年代初布鲁斯乐坛的代表人物。帕顿从小体弱多病，个子矮小，因此人们将他称为"矮子帕顿"。帕顿自学作曲，从自己的生活环境中吸取养分，创作各种歌曲。他在音乐上对传统进行改革，强化自己的个性，他的歌曲多半与自己的经历有关，布鲁斯的主题--伤感，在他的音乐中无处不在。1929年，帕顿开始录制唱片，在女布鲁斯歌手铺天盖地的声浪中，他却低吟浅唱，别具一格。到1934年他去世为止，五年时间录制了60张唱片。帕顿瘦弱的身躯、浑厚的男低音、精湛的吉他技艺、大量的唱片、短暂的艺术生涯，这一切使他成为一个布鲁斯历史上的传奇人物。

5Muddy Waters(1915-1983)

马迪沃特斯，1915年出生于密西比的罗林福克，原名麦金利摩根菲尔德（McKinley Morganfield），他是一位介于查理帕顿与BB金（BBKing）之间最伟大的布鲁斯音乐家之一。由于他曾经常在泥水中玩耍，因此得到了"Muddy"（泥泞的）这个绰号。马迪沃特斯13岁学习口琴，17岁学习吉他，1943去芝加哥并成为那里的滑棒吉他大师。1944 年他开始演奏电吉他，晚上在俱乐部演出，白天在造纸厂干活，后来又当过卡车司机。1946年到1954年期间他录制了一批反映极强的热门歌曲，并对节奏布鲁斯（R＆B）产生了深远的影响。从1950年起，几乎所有的芝加哥布鲁斯明星都参加过他的乐队。60年代以后，他的音乐变得更加成熟和专业，加进了大量的钢琴、口琴以及架子鼓，使布鲁斯被更多的黑人和白人所接受。1971年推出的《他们叫我马迪沃特斯》（They Call Me Muddy Waters）为他赢得了第一个格莱美奖（该奖开创于1958年，每年颁发一次，是美国音乐界最高奖项）。他在去世之前一直没有停止过唱片的录制，为布鲁斯音乐留下了大量的宝贵资料。

6BBKing (1925--)

BB金于 1925年9月16日生于密西西比三角洲的伊塔比纳，原名赖利BKing （Riley BKing），是布鲁斯历史上影响面最广、生命力最强的布鲁斯音乐家。儿时的"金"流离于母亲与祖母之间，生活艰难，少年时在教堂学唱歌，在"金"的音乐理念中，乡村音乐与福音音乐对他有着重要的影响。1948年底他来到孟菲斯，很快，他的音乐便被当地的电台看中，同时他也留在了电台工作，当电台直播他的节目时，称他为"比尔大街布鲁斯男孩" (Beale street Blues Boys)， 后来简称为"布鲁斯男孩"，最后干脆叫"BB"，BB King 便因此而来。BB金的作品中既有纯布鲁斯的，也有乡村音乐风格的，还有流行和摇滚的，但是每一种形式都夹杂着布鲁斯成分。70年代，他的音乐会吸引了各种族、各年龄层的观众。1985年，他的第50张唱片问世，1987年荣获格莱美终身成就奖。作为一名布鲁斯大师，至今他仍在为布鲁斯音乐乐此不疲地奉献着。

7John Lee Hooker(1917--2001)

约翰李胡克,1917年出生于密西西比州。在第二次世界大战后的几年中，他一直生活在底特律，并成为那里布鲁斯圈中的顶尖高手。起初，他以演唱黑人福音歌为主，但不久便被布鲁斯音乐所吸引，胡克低沉的声线在清脆的吉他和富有动感的节拍配合下格外受人瞩目。60年代他将布鲁斯先后与舞曲、摇滚乐等风格相结合，使原有的布吉-乌吉 （Boogie Woogie ，一种敲击式的、即兴演奏的布鲁斯钢琴音乐，其特点是左手有一个固定的节奏型衬托右手的布鲁斯音调，产生一种强劲有力的节奏效果）元素逐渐地在他身上消失。70年代他的风格转向摇滚路线。他与BB金一样，将各种音乐元素与布鲁斯相融合，为布鲁斯音乐的繁荣作出了不可磨灭的贡献。90年代以后这位"布鲁斯之王"开始淡出舞台，在家中安度晚年，偶尔参加一些社交活动。2001年，胡克逝世，终年84岁。

8Eric Clapton

埃里克克莱普顿，英国著名吉他大师、作曲家、歌手，曾是布鲁斯乐坛的顶尖高手，后来他将布鲁斯、摇滚乐与流行音乐融为一体，为推动流行音乐的发展做出过巨大贡献。

克莱普顿，1945年3月30日出生于英格兰的萨里，15岁接触布鲁斯音乐，17岁开始弹吉他，以自学为主。1963年，克莱普顿就参加了一个乐队，但不久即告解散。年底，他加入到"新兵"（Yardbirds）乐队，任主音吉他手。当乐队逐渐走向商业化时，克莱普顿为了寻求新的发展，于1965年3月离开了"新兵"乐队。不久受约翰 梅奥尔（John mayall）之邀，加入了他的"布鲁斯开拓者"（Blues Breakers）乐队，但只在其中待了很短时间。1966年他又组建了"精华"（Cream）乐队，并获得了商业上的成功。1968年底，"精华"乐队解散，他又和史蒂夫温伍德（Steve Winwood）等人联合组成了"盲目信仰"（Blind Faith）乐队，但是未能获得成功。1970年，他作为独立吉他手推出了首张个人专辑《埃里克克莱普顿》，5月份组建了"德里克和多米诺"（The Derek & Dominos）乐队，并录制了著名的歌曲《莱拉》（Layla），1971年5月乐队再次解散。从此以后，克莱普顿一直以个人名义独自发展。1991年，为4岁儿子不幸身亡而写的《泪洒天堂》（Tears in heaven）获第35届格莱美（1993年）最佳歌曲、最佳唱片和最佳男声演唱奖。1992年3月，克莱普顿举办了一场"不插电"演唱会，同年发行的现场版专辑再次引起轰动，并带动了"不插电"音乐潮流。1997年的《改变世界》（Change the World）、1999年的《我父亲的眼睛》（My father\';s eyes）分别又获当年的格莱美奖。克莱普顿的代表作品除了以上提到的歌曲之外还有：《在你告我以前》（Before You Accuse Me）、《奇妙的夜晚》（Wonderful Tonight）等