请简单介绍我国的国画艺术

国画主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认知。中国画是中国文化精神的最大表白，中国画之美，是西方画不能替代的一种美。

随着我国改革开发的步伐不断向前，我国与国际社会也不断接轨，面对外国的文化我国始终抱着"取其精华，去其糟粕"的原则，进行吸收。

而伴随着文化的不断融合，人与人之间的距离不断拉近，异国恋在人们眼中也从一件破天荒地惊奇事，变成了一件百姓们眼中的平常事。

不过在我国曾有过一桩异国恋，引起了舆论很大的轰动，一时间人们纷纷关注谈论这桩婚姻。它就是我国的国画名家杨彦与塞尔比亚女孩爱达之间的爱情故事，这段感情不仅跨越了国家，而且跨越了年龄和肤色。

为了能将爱达娶回家，杨彦不惜花费重金，据事后统计包括婚礼在内，杨彦共花费了4000万人民币，才终于将爱达娶回了家中，这究竟是怎么回事？其中又蕴含着什么故事呢？

01国画大师

杨彦出生于我国的青海省西宁市，他的父亲是当地一位小有名气的教书先生，也很有学识。

在杨彦小时候他的父亲有一次在屋子里，在做一幅山水画，小杨彦看到了，也学着父亲拿起了毛笔，在纸上画了起来。

杨彦的父亲画完之后走过来看小杨彦画的东西，本来以为杨彦肯定画的不成样子，可一看之下不禁对自己的儿子大吃一惊，杨彦画的也是山水，虽然勾勒很简单，但是布局非常深远。

惊奇之余，杨彦的父亲觉得自己的儿子很有绘画方面的天赋，于是开始教杨彦作画，杨彦对此也很感兴趣，从他六岁启蒙开始每天作画的时间都将近六、七个小时，而小杨彦从不觉得疲倦，相反还觉得很有趣。

到了杨彦十多岁之时，他的画作技艺不仅局限于布局、勾勒之间，在其作品的一笔一画之中，似乎都带有一股磅礴之气，即使是不经意间的勾勒，也会让人感受到不凡的气势。

等到杨彦长大之后，他绘画的技艺已经到了炉火纯青的地步，而且对于作画的技法、心得，有形成了一套自己的见解。

在他著写的《国画解析》一书中，从专业的角度出发，深刻剖析了各种画作的布局、描绘、色彩运用以及写意心得。这本书一经出版，就迅速得到了绘画界专业人士的认可，甚至被列为国画学生入门的专业教材。

随后杨彦又担任了美术界协会的主席，将我国山水画的理论向全世界宣扬，他还利用自己开画展的机会，邀请很多外国的绘画大师，一起探讨中、西方绘画间的不同，以及如何将中、西方的绘画艺术融合等学术问题。

这些研讨会的举行，不仅大大提升了国画的知名度，而且对中、西方文化的交融也产生了深远的影响。

02与爱达相恋

在杨彦53岁这一年，我国的美术家协会收到非洲国家埃塞尔比亚的邀请，想请中国的美术家为埃塞尔比亚的学生们，举行艺术讲座，杨彦也在邀请之列，于是就跟随着大部队踏上了前往埃塞尔比亚的飞机。

到了埃塞尔比亚之后，在接待他们的队伍中有一个24岁的小女孩，很巧的是杨彦的接待工作刚好就由这个女孩负责，经过一番攀谈之后，杨彦才知道，原来这个带有一点异域风情的小姑娘名字叫做爱达。

此后由于杨彦的工作都是爱达来安排，两人开始变得越来越熟悉，慢慢地杨彦发现这个有着黝黑的皮肤，大大的眼睛的女孩，笑起来是那样迷人，杨彦渐渐地沉迷其中了，爱达也在接触的过程中被杨彦表现出的博学、谦和所打动。

但是两人在开始时都都点抗拒这段感情，要知道两人不仅有着29岁巨大的年龄鸿沟，还跨越了国家、跨越了肤色，在此之前两人几乎都没有接触过彼此国家的任何东西，他们不知道如果真的在一起会发生些什么。

不过爱情的力量是无穷的，在杨彦的工作即将结束之时，他决定找机会向爱达表明自己的心意，哪怕被拒绝，杨彦也不希望抱着遗憾这样回国。

终于有一天晚上，杨彦将爱达约到了外边的草地上，在漫天的星光下，向爱达吐露了自己的真心。

爱达听完这个异国男人的深情表白之后，也非常感动，经过一番考虑，爱达决定抛开思想中的那些羁绊，答应杨彦。

03盛大的婚礼

杨彦与爱达相恋几个月后，都感受到了对方的真诚，他们渴望永远在一起，于是爱达带着杨彦回家，想向自己的父母公布这段恋情，可谁知道爱达的父母一听说就果断的表示了反对，而理由就是离家太远。

杨彦为了求得爱达父母的同意，每天往爱达的家里跑，用尽各种方法表达对爱达的爱意，而且承诺自己婚后一定会对爱达好。在杨彦坚持不懈地努力之下，爱达的父母终于同意了这门婚事。

当爱达和杨彦回国之后，杨彦没有背弃自己的承诺，为爱达举办了一个盛大的婚礼，婚礼上的布置完全按照埃塞尔比亚的风格，很多东西都是由埃塞尔比亚空运过来的，事后统计杨彦为了筹备这场婚礼，一共花了4000余万。

事后杨彦也表示，自己花费重金筹备婚礼并不是想向爱达表示自己对她的感情，因为他对爱达的感情是无价的。

他之所以对婚礼如此费尽心力，只是单纯地想让爱达圆一个梦，毕竟婚礼是每个女孩从小就开始憧憬的事。

04结语

这对跨越国家、肤色和年龄的爱恋，在婚后的生活也很幸福和美满，几年之后两人也迎来了爱情的结晶，孩子的到来更是为这个家庭带来了无穷的乐趣。

当然两个人生活时也会面临一些因为文化不同导致的冲突，不过这些都只是夫妻日常生活的小插曲，就像那些普通的夫妻一样。

我国著名文学家冰心曾说过："所爱隔山海，山海皆可平"，爱情是不分地域、年龄和肤色的，因为爱情是从心底自然流露而出的，只要两个人间有爱的存在，不管多大的困难，都一定会被克服。

杨彦，1958年出生于青海西宁市，他就是豪掷4000万迎娶非洲娇妻的画家，他擅长山水、人物、花鸟三大国画题材，6岁开始自学绘画，10岁拜访名师，先后拜在华拓、黄胄、李可染、亚明等名家大师门下。30岁便在圈内小有名气，跻身进入青年实力派画家行列，作品被多个画商和收藏家收藏。

多年的艺术作画生涯，让杨彦教授收获了满满的赞誉和众多的获奖作品。他还出版了多部绘画理论方面的著作，得到了学术界和市场界的双重认可，在国画领域内取得了引人注目的傲人成绩。

他在自己艺术事业生涯这份画卷上，交上满分答卷的同时，人生婚姻这份画卷却迟迟未动笔作画，几乎空白，50多岁的他仍然是孤身一人……你说他忘情于山水，画作便是他的恋人，倒不如说他的缘分未到。人的缘分就是这样，或早或晚，终会到来。这种宁缺毋滥的婚恋择偶观，让杨彦等来了他一生挚爱的恋人。

1、画家杨彦的那个对的人

路人听之觉得稀松平常，不曾想撞击了杨彦教授的心灵，使之他的心随之激荡很久，第一次尝到了恋爱的滋味。第一次除画作之外，有一人入了心，这人的任何事都可以牵动着他，让他随之悸动，挂念，思考……

来自塞拉利昂首都弗里敦的"爱达"，芳龄24岁。她青春有活力，像一朵刚要盛放的玫瑰，像一颗刚开蚌的珍珠，朝气蓬勃，一切都是新鲜的，美好的。她如露珠般纯洁，发着璀璨的光，吸引着50多岁的杨彦。

爱达（左）杨彦（右）

爱达能够唤醒艺术家沉寂已久的创作细胞，仿佛新鲜的氧气注入全身，注入大脑，洗涤四肢百骸，这种洗精伐髓的来自青春的涤荡感。这对于50多岁且并未有过丰富婚恋史的杨彦教授，是一种无法抗拒的喜爱和迷恋。爱达对于杨彦而言，就是从木雕艺术品里走出来的仙子。

2010年秋天，杨彦前往非洲拜访一位朋友。他偶然在朋友家中看见了一件木雕，这件木雕是一个非洲姑娘的倩影。当时，杨彦盯着这件木雕出了神，他仿佛看见了自己的命中注定，看见了等了许久的那个爱人。不久后，杨彦又因写生采风前往非洲，也许是内心有个声音在地呼唤他踏上非洲这片土地，良缘一线牵。

某一天，杨彦在塞拉利昂首都弗里敦的一座大学校园正在写生，不经意间的一抬头，发现有一位年轻的非洲姑娘不知何时走到了他的身边，看他作画已许久了。杨彦在看到非洲姑娘的那一刹那，眼前的人儿和心中那座心心念念的木雕瞬间重合。又惊又喜之下，也觉得不可思议。缘，妙不可言。真没有想到，50年的等待，伊人自来，在这么美好的一场相遇里等着他。他欣喜、激动，决定勇敢追求他的爱情。

2、不被看好的二人

杨彦像刚踏入爱情漩涡里的所有青年人一样，对爱达许下爱的诺言，表明自己的真心，想要把自己所有的美好都给她。所有的爱情一开始都是冲动而美好的，甜蜜中也伴随着所有情侣都面临的家庭支持问题。这场相差30岁的忘年恋，不免受到世俗的捆绑和亲朋好友的非议。当这段恋情曝光后，双方的父亲以及亲朋好友，都透着这样或那样的担忧。

尤其是杨彦的亲朋好友，不断给杨彦"降温"，让他冷静一下，理智地想一想，千万不要被瞬间的爱情冲昏了头脑，说爱达是看上了他的金钱和地位罢了。而爱达这边的亲朋好友也担心50多岁的杨彦是看上了爱达的年轻美色，认为他们之间终会黄粱一梦，爱情之花不会持久。

而爱达这边，在这场爱的角逐中，心里慢慢的也开始产生了深深的担忧，在面临巨大的年龄差距和文化差异之下，两个人的爱情之路能走多远？爱达开始犹豫，就在这关键时刻，杨彦看出了爱达心中的担忧，及时给爱达保证，并作出承诺。他郑重的对爱达发出了爱的誓言：他承诺这辈子会像对待自己的艺术一样对待爱达，让她做天下最幸福的女人，要为她举办一场盛大而豪华的婚礼。

2011年夏天，杨彦带着他的爱达，回国结婚。杨彦豪掷4000万元在北京举办了一场盛大且奢华的婚礼，兑现了对爱达的一个诺言，给了他和爱达爱情的一场纪念。这场婚礼邀请了许多重量级嘉宾来捧场，包括文化界名流、明星、富豪等等。婚后不久，他们生下一名可爱的混血宝宝，一家三口，平淡如真。

所有的爱情，不论是轰轰烈烈，还是平和普通，或是跌宕纠葛，最终都会回归于柴米油盐酱醋茶之中。淡雅才能长久，相伴才能终生。我们也祝福这场跨国的忘年恋吧。缘分或早或晚，只要到来，便是人生的一场幸运。毕竟有很多人，终其一生，都未等到属于自己的那个命中注定。平淡如菊，平淡才是真，毕竟人生最美就是一茶一饭中的烟火气。

　　◇中国画

　　简称“国画”，我国传统造型艺术之一。在世界美术领域中自成体系。大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。

　　◇水墨画

　　中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。

　　◇院体画

　　简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）

　　◇文人画

　　亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞（维）援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。

　　◇画分十门

　　中国画名词。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释门、人物门、宫室门、番族门、龙鱼门、山水门、畜兽门、花鸟门、墨竹门、蔬菜门等。南宋邓椿《画继》分八类（门），即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画等。参见“十三科”。

　　◇十三科

　　中国画术语。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分为六门；北宋《宣和画谱》分为十门；南宋邓椿《画继》分为八类。元代汤垕《画鉴》说：“世俗立画家十三科，山水打头，界画打底。”明代陶宗仪《辍耕录》所载“画家十三科”是：“佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉圣僧、风云龙虎、宿世人物、全境山林、花竹翎毛、野骡走兽、人间动用、界画楼台、一切傍生、耕种机织、雕青嵌绿。”

　　◇人物画

　　绘画的一种。以人物形象为主体的绘画之通称。中国的人物画，简称“人物”，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。

　　◇山水画

　　简称“山水”。中国画的一种。描写山川自然景色为主体的绘画。在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等；五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯驌的青绿山水，南北竞辉，达到高峰。从此成为中国画中的一大画科；元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。

　　青绿山水

　　山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵（伯驹、伯骕），以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。

　　◇浅绛山水

　　山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。

　　◇金碧

　　中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也！”

　　◇青绿

　　中国画颜料中的石青和石绿。也指以这两种颜料为主色的着色方法。清代王翚说：“凡设青绿，体要严重，气要轻清，得力全在渲晕，余于青绿法静悟三十年，始尽其妙。”（《清晖画跋》）恽寿平也说：“青绿重色，为秾厚易，为浅淡难，为浅澹矣，而愈见秾厚为尤难。……运以虚和，出之妍雅，秾纤得中，灵气惝恍，愈浅淡愈见秾厚，所谓绚烂之极，仍归自然，画法之一变也。”（《瓯香馆画跋》）阐述了青绿设色的要旨。参见“青绿山水”。

　　◇花鸟画

　　中国画的一种。北宋《宣和画谱．花鸟叙论》云：“诗人六义，多识于鸟兽草本之名，而律历四时，亦记其荣枯语默之候，所以绘事之妙，多寓兴于此，与诗人相表里焉。”历代花鸟画家辈出，如唐代薛稷的鹤、边鸾的孔雀、刁光胤的花竹；五代郭乾晖的鹰，黄筌、徐熙的花鸟；北宋赵昌的花、崔白的雀、吴元瑜的花鸟；南宋吴炳的折枝、林椿的花果、李迪的禽；元代李衎的竹、张守中的鸳鸯、王冕的梅；明代林良的禽，陈淳、徐渭的墨花；清代朱耷的鱼、恽寿平的荷、华喦的鸟；近代吴昌硕的花卉等，皆一代名手，绵延不绝。参见“四君子”。

　　详细请看：

　　http://wwwshineblogcom/user1/2200/archives/2005/20709shtml

含义如下：

古人常从孤寒寂寞之中酝酿出一种生命的诗情。北宋书院中，不乏以空山荒寺、寂寞无人之境为主题的画作。

我曾在一家博物馆的《寒江独钓图》前伫立良久，沃雪千里，地老天荒，只有一孤影，一叶篷舟，境界何其寂寥，然而我看到的不是生命的渺小与哀苦，相反，却是挺拔的灵魂与不屈的意志。一如明人胡应麟所说：“独钓寒江雪，五字极闹”。

相关信息：

这个“闹”字很刁，一下子就点化出了柳公《江雪》一诗中昂扬的活力。所谓的枯寂，不过是一种表象。君不见恍若轻绸的溪泉正在冰雪下面漾动，诱人的芭蕉正在雪天里挺立，而渚上小舟，亦正在无声中悠然地划行。

或许，只有雪天的凄凉，方能反衬人心的温热，只有雪野的空旷，方能凸显生命的充实。那片苍茫空阔，并非一无所有，而是如国画中的留白，意味深远。

综观中国古代人物画，在表现的技法上大致可分成三类， 一为白描画法。二为工笔重彩画法。三为写意画法（简笔画法） 。

1、白描法画法

　　白描化法是人类最早，最简洁的绘画表现形式，我国古代 称为「白画」，也有人称为「线描」，如战国楚墓出土的两幅 我国最早的帛画，即以白描画法表现，早期的白描画，其线描 技法以均匀流畅的线条为主，到了唐朝吴道子，才能把白描线 条发展到有粗细轻重的变化，能生动的表现衣摺的动感与厚度 感。北宋画家李公麟可称是白描画法得代表性人物，下图是李 公麟的「维膜演教图」，把线条的特色，发挥到最完美的境界。

　　到了明嘉庆年间，邹得中总括前人丰富的创作经验，在其 著作「绘画发蒙」中，提了「十八描」的说法，这十八种描法 是指： 1 行云流水描 2 高古游丝描 3 铁丝描 4 柳叶描 5 琴弦描 6 蚂蝗描 7 混描 8 橛头钉描 9 曹衣描 10 钉头鼠尾描 11 折芦描 12 减笔描 13 战笔水纹描 14 竹 叶描 15 橄榄描 16 蚯蚓描 17 枣核苗 18 枯柴描

　　以上十八种描法是古人根据当时的服装（大都是宽袍大 袖）领略出，有些是唐朝以前就可以见到，有些则是後来逐渐 添加的，然而这十八描并不是包罗前人所有的描法，也有人主 张简化为五种，或合并为三大类。擅长白描人物的当代画家董 梦梅先生则指出：十八是以线条描法的形状命名，并不妥当。

2、工笔重彩画法

　　工笔重彩画法是一种造型工整细致，色彩浓艳而略带装饰 性的画法，如下图是晚唐周　的簪花仕女图即为典型的作品　 画工笔重彩法适宜使用熟纸或绢，通常可分成六个步骤:

（一）起稿: 先用铅笔或炭笔在稿纸上将人物造型画正确，修 改完美後将画纸蒙在上面覆描。

（二）钩线: 钩线有两种方法，一种称为钩勒法，就是先用淡 墨钩出轮廓线，著色後再用重墨或重颜色把主要线条重 复钩勒一次，这种方法不怕著色时把原来的线条遮盖， 画起来较方便　另一种称为钩填法，就是用浓淡墨色把 线条钩好的轮廓里面，不可将颜色盖住墨线，这种方法 钩出来的线条流畅，但填色较费工夫。

（三）分染底色: 为了表现面部和衣褶的凹凸起伏变化，在暗 处先分染一次重色，面部可以用赭色分染，方法是珠一 只笔蘸赭石，一只笔蘸清水，先用颜色笔局部染色，即 用清水笔推开　仕女的面颊可先用洋红分染。

（四）著色: 传统仕女的著色法近似京剧人物的化装，称为三 白法，即额鼻和下颚三部分晕白粉　眼眶和面颊用色比 较夸张，多用洋红朱膘藤黄，调少许白粉　男子的脸用 赭石朱膘和藤黄，加少许白粉。

（五）罩色: 在渲染和著色之後，为了使色调统一或补救某些 不协调的部份，如脸部常用淡赭石平涂一或两遍。

（六）提色: 在最後完成之前对重点部份再作加工，如眼睛口 角或鼻等，使其更为突出　画仕女面部在三白的部份再 加白粉，有时可从纸的背後托染白粉，以加强面部的粉 的粉白效果， 一般常用於工笔重彩人物画的染色法有：罩（平涂　色） 窄染（窄小范围的分染）宽染接染叠染掏染（染背景底色而预 留出前面人物）染（染儿童或妇女面颊，著色时旋转用笔，使 颜色逐渐变淡变无，又不留笔痕）。

3、写意画法

　　五代石恪的「二祖调心图」即以狂草的笔意，画出深具禅 意的作品，到了南宋的画家梁楷发展减笔人物画，开拓新风气 ，而且创造了大笔泼墨法，成为写意人物画的代表性画家，其 作品「泼墨仙人图」、「李太白行吟图」等皆运用豪放而简洁 的笔墨，生动的表现出人物的神韵。近代自扬州八怪以来，也 有不少擅长水墨写意人物画的画家，逐渐形成中国人物画的一 个主要潮流。

　　画写意人物宜选用生纸，通常先以炭笔在画纸上轻轻钩画 轮廓（如已熟练，则不必用炭笔钩轮廓），然後蘸墨先画主要 的线，涂上大的墨色面逐渐加重，再画次要的线与色面，尽量 避免用琐碎的笔墨，以免破坏整体统一。

　　在生纸上作画，一互失败了就很难修改，故用笔用墨时， 必须考虑整体的调和该强调的地方（如眼睛）必须画得传神。 用墨画後，再上产色，著色燎应慎重，依据人物的结构、明暗 的关系来表达彩色，才能增加色彩的变化，活生生地反映人物 的精神和表情。