徐华的众人评说

1、(王伯敏 中国美术学院教授 博士生导师 史学大家)
“莫高古韵，徐华仁棣以水墨写敦煌之莫高窟，得古韵又得风沙意趣，赏心悦目之致”。为作品《水墨敦煌》题。
2、（程征 西安美术学院教授 博士生导师 著名美术评论家）
读徐华的山水近作，已具大家气象。几年间，他守得住清雅格调，不温不火，一如其人。山水贵能养气，徐华的画可作如是观。他从西美到国美，转益多师，访名山，游古迹。视野既开，只要守得寂寞，闲时读书，大成近矣。
3、（刘天琪 西安工业大学艺术传媒学院教授 美术学博士）
丙戌九秋，吾负笈长安攻读。越明年，识徐华道兄，或与我曾在金城求学相关，与其谈书论画，颇为投缘。徐兄习画多年，辗转南北，既得三山五岳之氤氲变幻，也得古庙旧观之明灭相掩之风。昔苦瓜和尚云：“夫画，天下变通之大法也，山川形势之精英也，古今造物之陶冶也，阴阳气度之流行也，借笔墨以写天地万物而陶泳乎我也”徐兄正是本此道而行之，且学有所成，故其水墨虽淡然却不闲散，随从容却不放纵，远山淡水，以“新水墨”或可得之。其“新”着，既有山水技法之探索，也有构图与墨色的琢磨，意在突破前人绳轨，以淡墨皴染营造更为朦胧滋润的气象。我常常激赏这样的探索精神，随不尽完美，也充满了变数，但却为成为大家奠定了重要的基础。徐华兄清雅品正，心性淡泊，其独爱静观之境；其画空灵淡雅，墨色简约，具浓郁文人画气息，可用简远境清目之。昔董玄宰曾云：“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内英，立成鄄鄂。随手写出，皆为山水传神也。”如徐华兄时能读书观道，画外修文，可期大成之日。
4、(毛建波 中国美术学院史论系教授 博士生导师 美术评论家)
徐华一方面研习古代文学、历史、美学、中国画论等，提高综合素养;一方面精进传统笔墨功夫，他深知“传统笔墨是中国山水画发展的灵魂，传统笔墨其实就是绘画功力，传统笔墨是一个永恒的精神标准，在中国画中，传统笔墨体现着人性、人理、人文和艺能等，时代在改变，传统笔墨的标准不会改变，改变的只是表现物象的外在形态。”(徐华语)诚然，笔墨不仅是绘画工具，更是传统文化的浓缩，是画家全面修养、个性才情、绘画功力的外化，画家笔墨能力的跃升决非轻易梦见。
经过凤凰涅槃式的努力，重入炉镬的徐华，从树石法起首，夯实基础，识见与笔墨能力都有了明显的提升，他的山水画创作将北方山水的雄强厚实与南方山水的讲究笔墨相糅合，如同其白皙文雅的外表包裹着刚毅质朴的志趣。简淡沉稳的笔墨，空灵洗练的构图，诗化梦寐的意境，清奇恬淡的风骨，表现着画家对自然景物的感受，诉说着画家丰富的情愫。生于黄土高原，长于黄土高原的徐华对家乡山水充满眷恋，每年假期，他都会打点行装，跋涉于大漠戈壁、山川野岭、草原乡寨，以苦行僧的坚执忍耐，捕捉、体悟大自然的生机灵变。自小惯见茫茫大雪的徐华喜画雪景，《陇原雪霁》、《山居图》等通透着如玉般的光润洁净，营构出安谧纯粹、人天合一的宁静世界。特别是《暮雪图》表现太阳西下之后的雪原，似乎为前人所未及，尤其值得进一步探索。著名美术史论家王伯敏观看徐华雪意画后，欣然题写“陇西人，爱雪写雪”以褒奖鼓励。
从徐华画中，我们不难窥见画家的心境，他致力于领悟中国文化精神的内核，画面折射出中庸、平和、自然、质朴的儒道思想菁华，追求优美隽永的境界，松厚朴实的笔痕既是天地万物的迹象，也是画家心灵的岁月履痕。
5、(张伟平 中国美术学院教授 山水教研室主任)
看来是“天意”成就了他研习传统的机会，这也让他对经典名作的理解较旁人先了一步，这一步是否跨得及时、重要，观其已经融入了很多山水画传统的创作画面就可以知道。当然，这并不暗指急补传统“活学活用”式的现实态度不好，而是以为，打着火把走路虽然比不上迎着朝阳走路，但总比摸黑强多了。可见阳光下的徐华对中国画发展的方向感没有错。方向对了，怎样走才能切合自己的本性呢大凡很多画家都在这个问题上比较相信直觉而放任自己的本性。我看徐华倒采取了读书“近文”的战略，当画家不能明辩是非可称为一件憾事。读书能明理、去执，并不是使自己的“个性”少了，而是“心境高了”，个性依于理，绘事才会如意，顺情而达理。一个画家领悟的画理有多大，就能预测他能走多远。徐华画中隐透出的理解力使人更相信其画风的成长前景。徐华作画，善思而求变，明悟一理而手追一境，并常有所得。故每观其作品都心有所动，其亮点也印证了本人之灵性。
中国美院自潘天寿先生始定下(中国画)打基础须从临摹开始的教学方针延续至今，不知成就了多少人，徐华应该是其中一个受益者。当他以一个北方人的材质受惠于南方的中国美院以学传统为本的教学体系时，对他画风成型的影响可能就不可限量了。果然，读着他的近作，更坚定了这个想法。雪景《物华》、《暮霁图》是他运用山水画基础语汇尝试表述自己对北国雪山大岭那种单纯、洁净而又雄浑的美感。这种运用基础语汇表述感觉的成功，极大地鼓舞着他的探索精神，接下来的《水流云长》、《苔痕有绿水》等作品就更能体现出他探索的多样性，而这种学能致用的态度，正是一个年青画家必不可少的过程。我不能拿他去和历代大师相比，但跟他同时代的青年画家比起来，他的画多了一份沉稳，少了许多浮躁，多明了一分画理，少了许多的稚嫩。他可能不是那种不学就会的“顿悟”之材，不过如果能修到“身是菩提树，心如明净台”的境地，也应该是画家所向往的崇高境界。望着徐华这一步一步走过来的脚印，总让人心里踏实了许多。
6、(王佳宁 中国美术学院美术博士)
徐华很喜欢西湖，他认为清风波影中都弥散着一种文化，可能是吧。正如他的相貌，刚毅坚挺的背后抹煞不去的是那绵绵颂咏不尽的书卷，气息悠远亦为淋漓。看到他的山水作品传统的笔墨线条构图中不乏现代艺术表达气质，传统作品的演绎又分为清淡雅致与雄浑苍茫两个主要取向。有若他给人的视觉，清俊不乏浓烈，犹如那一湾西子的水，透明却又沉重一样。
除了画画之外，他很喜欢创作青花瓷，看到创作的青花长安系列作品，我的心气立即恬淡柔和了很多，当青花瓷器的传统器形与最为悠远的笔墨线条缠绕依偎融合，形成一种独特的印记符号，我们只能把它观照成一个美人，从那大唐长安道上走来舞动霓裳羽衣倾国倾城露华浓浓的美人，丰腴隽美却又含羞怒放。
徐华是幸运的。有幸的是在他的故乡有着敦煌的飞天结伴，沐浴着丝路上华彩篇章，同时身在长安，亦能感受到大唐厚重的历史文化尘封中，华夏民族烟波浩翰的五千年文化里日渐积淀渗析出的养分，这都将成为他日后艺术创作中取之不尽、用之不竭的源泉，有望伴随着时代的前行徐君能够不断地完善自我、超越自我、成就自我。
7、 (王锐 美术学博士)
徐华习画缘出于其天性，那种执着与热爱发自天生的秉赋。他的国画经过诸多名家高手的指授，转益多师，又得益于从传统筑基，加之自我灵性的把握与流露，既能使人感受到良好的传统功底，又能看到个人才情的展现。这对一个年轻画家来讲是难得的，“取法乎上”，他的路子正。
8、徐华绘画有着不俗的笔墨功夫，尺幅中见精神，古韵中得意趣，画面折射出中庸、平和、自然、质朴的儒道思想菁华，追求优美隽永的艺术境界。（The paintings ofXu Hua manifest extraordinary painting skills with the spirits coming alive from the limited scroll and charm given out by the ancient flavor Essence of Taoism and Confucianism thoughts as the goldenmean,moderation,naturalness and simplicity are all reflected by the paintings for the pursuit of the exquisite and meaningful artistic state)
略谈徐华的国画
文/ 张士增 （国家一级美术师 中国国家画院）
徐华生长在陇上，求学在西安。丝绸之路上渊源丰厚的文化艺术传统滋养这位有才华的艺术青年。通过自己的努力，在师友的帮助下，他正在迅速成长起来，在艺术的征途中不断取得新的收获。
他的作品首先取得了气质上的成功。作品中的气质，非指题材和技法之类的表面文章，乃是指作品深层所透露出来的思想和格调，这最能折射出作者的修养和追求。因为徐华追求的是艺术表现中深层的意义，所以他的作品能脱离陈陈相因的俗套和哗众取宠的噱头，从而表现出一种儒雅和诚恳的风范。
徐华很重视对中国画传统笔墨的理解和遵循。显然，他的作品中表现出他在这方面的种种努力和探索。有了笔墨，他便有了自己艺术追寻的出发点和参照系。也有了前进的基础。相信他今后某一天回首现在的这一段历程，一定会感触良多，一定会庆幸自己选择的正确。因为倘若画中国画而无良好的中国画笔墨基础，那是非常危险的。
画面的松动和笔墨的灵变，说明徐华对中国画写意精神的深刻理解，这是一个很好的开端。有了这个开端，我们有理由相信徐华在今后会有更大的成功，我们期待着。
200165
融会贯通 自成一格：评徐华的画
文/盛葳
徐华君90年代末期开始正式的水墨创作，其作品以山水为主，至今十年有余，积累了不少成果，形成了自己的绘画面貌。他先是于关中金城习画，后又负笈杭城深造。在古时交通不便，通讯落后的情况下，两地山水画面貌各异，说得夸张些，几无相近之处，后又因学派之故，两派山水至今仍难打通。不过，近些年来，不少中青年画家亦有致力于此者。徐华是其中一位。但徐华之南北融会，并非刻意为之，而是因生活学习创作环境变故使然。因此，在徐华的作品中，常常能见到淡墨少皴之法写三秦山水之作。近些年，徐华拜师杨晓阳先生，入门攻读博士学位。受其师影响，他于“写意”之创作和理论多有涉猎，且有成果。一方面，在自己的绘画中，强调“写意”之精神抒发，另一方面，又从理论的角度思考“写意”作为哲学美学范畴之当代意义。殊为难得。
无论是他的创作，还是理论思考，就“写意”而论，都有极其现实的价值。纵观近年来的大型的青年展、新人展，能一展写意之长且又有创新者，寥寥可数，而工笔则因题材、幅面、技法等方面的适应度而占上风。这么说并不是对工笔有何偏见，盖因艺舟双楫，缺一不可耳。写意精神作为传统之精华，不可不继承，在全球化与在地化的当代碰撞中，梳理和发展写意精神，更有其合理性。我想，徐华也正是意识到了这一点，故而在创作中有意识地加强了对写意的梳理研究，主动思考写意在当代绘画中的运用、发展及突破问题。正是因为实践与理论的双重推进，让徐华的绘画具备了相应的文人气息，脱开绘事之俗。
从语言和审美两方面看，徐华的绘画取得了应有的成绩，且与时下流行之山水范式有异，乃成创造。他的作品，常常是大笔淡墨先行，以表现主义之笔法写自然山川，在写北方山水时，注重营造缺少植被之山势丘壑，呈现其磅礴之气象，在写南方山水时，则以行笔带晕染，描绘烟雨蒙蒙之雾景。此外，徐华有时也以浓墨焦墨勾皴树石局部，突出物象，形成视觉观看焦点，强化淡墨形象不足之处，完整画面构图和整体氛围。墨之浓淡或侵润，或对比，亦为画面增色不少。审美范式和语言的突破是中国画发展的焦点，也是难点，在千年画史进程中，笔法墨法不仅高度程式，且一一对应着固定的物象对象，披麻皴只能画山，且只能画某种特定之山，他法亦是如此。徐华具有个人特色的绘画语言和风格在一定程度上打破了这种高度对应之关系，乃成当代。
意与境——我观徐华作品
文/李世南
对于中国画的创作现状，徐华与我颇有共识。他认为当前中国画写意精神严重缺失，集中表现为制作性、模仿性、趋同性、功利性，这使得中国画的创作正在背离中国画的写意精神。他还深刻地指出写意精神缺失在当前具体作品上表现是“假、大、空、满、细”。所谓的‘假’就是既无思想又无感情最终导致没有内涵；所谓的‘大’是尺寸越来越大；所谓‘空’是一样的东西不断重复；所谓的‘细’是制作越来越细密；所谓‘满’则是画的越来越多。他主张山水画创作应注重绘画背后的人文之意，而非自然风光描写与复制。
正如徐华认为，特别是山水画创作中应有人文之意。意境一直都是山水画创作过程中的要面对的一个重大课题。山水画理论中所谓的“含道映物”，就是说在反映自然的时候，应该有一个完整的主观境界。只有这样画家才能在创作过程中掌握审美的主动权，将客观的物象转化为主客体统一意境的同时，潜在地注入作者之“意”。这个很重要。
我与徐华初次交往，这是一个热衷绘画热爱生活的年轻人。他在南北求学过程中，受众多名家点拨。读博士期间阅读了大量的画史、画论，深入地研究了中国画的大写意内涵。更难能可贵的是，他将理论上的积累和沉淀应用于自身绘画的实践中，为其成为学者型画家奠定了良好的基础。他的作品朴实无华、阳光、淡雅，艺术品性和格调不凡。
从徐华创作的《终南山系列》作品中可一窥其绘画精神。他笔下所描绘的终南山，历来都是众多文人墨客吟咏的对象，并有“采菊东篱下，悠然见南山”、“南山塞天地，日月石上生”、“终南阴岭秀，积雪浮云端”等传世佳句。他的绘画以终南山为创作支点，我想他应该别有用意。终南山古有“寿比南山”、“终南捷径”之说，徐华正是钟情于源远流长的终南文化。他心追古法，意在当下，以冲淡清远之笔，书写《终南阴岭之秀》、《云起之时》、《白云回望合》、《日色冷青松》。画面追求一种超然洒脱之气，干净、静逸，色调是阳光笼罩下的淡淡的“冷”。这也许是他在繁华都市下，静思后的一种心境表达吧！中国山水画受儒道哲学思想影响颇深，“淡和”、“静空”之观自然沁入中国山水画中。苏轼将老子的“虚室生白”思想发挥为“静故了群动，空故纳万物”。而徐华的山水画则是在有意无意间将这种清和、虚空浸入其山水画中。他的绘画多以淡墨写之，即所谓 “淡”美，墨色淡而有骨、淡中求变，有层次、有深度、有厚度。墨色中透着股淡淡的清香，格调不俗 。
徐华也是一个勇于探索的画家。观其实验性的《水木兰庭系列》作品，“空”成为主题，作品中运用了中国文化中的亭子、围栏等单纯的语汇，画面空间布局自由随性，纯粹而富有禅意。整幅作品给人一种“一亭一净土，一念一清静”空灵之感，画面既传统又现代，具有当下性。这些画如果再随性一些，就更有意趣了。
自古西安多才俊，生活于此的徐华，定会在层层剥茧之后有新的升华。
2012年4月于北京
　　天青色的梦
——画家徐华和他的青花瓷
文/黎晓春
画家徐华，在笔者眼里一直是一个纯粹而简单的人。认识他有许多年了，除了他的艺术，对他真是别无所知。每次见到徐华，他都是学院派的穿着，干净艺术，深邃而坚定的眼神里总是有着新的目标，而这些目标都是围绕着艺术，围绕着画。那几年，每年见他一次到两次，他像是在蹦极，让人有士别三日之感。
记得刚认识那年，看他出版了个人的山水画集；再见时出版了一册收录了二十位国内画坛大家访谈的专著《水墨面对面》；又见时，是看他参加的几个展览的画册：《西风浩瀚——西北五省国画百家展》、《灵山雅集——首届中国佛教艺术作品邀请展》、《印象碑林——中国画二十七人提展》……他总是让人目不暇接。　　最近见他时，又让人大吃一惊。画家徐华发现并喜爱上了青花瓷的制作，而且在西安举办了《青花长安——徐华作品展》。12件精挑细选的佳作甫一亮相，便让圈里圈外人看好了这画家徐华与“青花·长安”的一段佳缘。听说有这一组作品，笔者趁徐华回兰的机会一睹为快。当街上的商铺不时地放出周杰龙唱的《青花瓷》时，笔者正走在前往画家徐华画室的路上。画家的画室一定有一张硕大的画案，笔墨纸砚，文房四宝一定是齐备的。徐华的画室也不例外。最让人欣喜的是木格窗下，看起来有些年头的案几上放着一套功夫茶具，一路走来，又热又渴，呵呵，看来可以在这里赏瓷品茗了。博古架上，这一组以“青花长安”为题的12件青花瓷，错落有致的摆放着，各异的形态，不同的韵味，幽幽的色泽里散发着山水之味、古玉之质。什么是中国味道？都在这里了！国画、功夫茶、青花瓷……几千年一路行来，笔者笑称都聚到徐华你这里了。　　当听到CHINA这个英语单词时，不知道大家有什么样的感觉？瓷器，中国，对了！瓷的故乡是中国，瓷的美丽让世界了解了中国。在中国，陶瓷的产生距今已有三千年的历史，经历了由陶到瓷，再陶、瓷齐驱的发展历程。这种采用手工绘画、手工制作的高温瓷，是在逐渐以自身独特的文化含量和艺术魅力改变并影响世界时被喻为了中国文化的象征。在徐华的画室，一件件细看每件瓷器，隽逸、清雅、明净不凡。不过作为山水画家，为什么会与青花瓷缘结呢？笔者很好奇。中国画分为山水、人物、花鸟三科，其中山水画包容量是最大的，也是最复杂的。青花瓷的绘制内容，也分为山水、人物、花鸟。作为山水画家，徐华说，画青花瓷是件很自然的事。但是中国画与青花瓷的绘制，除了材料不同外，中国画是平面的，瓷器却是一个筒状体，所以作品的创作还要注重背面、底部和其它的部位描写，全方位的关照它的观赏性和完整性。徐华说，青花瓷中的釉中彩绘制，胚子的质感和中国画的宣纸的感觉非常接近，掌握好了，甚至能感受到宣纸上水渍与水墨淋漓的流动感。大画家林风眠绘画的用笔就是借鉴瓷器的疾速用笔，成为自己绘画的一大特征。大家眼中司空见惯的青花瓷又叫青花，在唐宋已见端倪，成熟的青花出现在元代景德镇，明代青花成为瓷器的主流，清康熙时发展到了顶峰。徐华的青花瓷与古时的相比，总结有五不同。首先是时代不同，二是器型不同，三是所用的釉料不同，还有就是观念和手上功夫的不同。徐华的青花，每一件器型，都由他自己设计，在传统中融入了许多现代元素，削弱了使用功能，更加注重了瓷器本身的观赏性。徐华的青花，不画画，也很美。原来在选择釉料时，他喜欢用元青花料，色泽古雅又不失靓丽。在选择陶土与窑口时，他不惜成本选用最好的，以求精耕细作。徐华说，瓷器的绘制是需要悟性的，我对瓷器很敏感，一上手就很有感觉，这也许就是命中注定要和这泥土结缘吧。他将多年来的绘画功力，全部投注到绘瓷创作中，力求每一件作品都达到意与韵的完美结合。2010年12月，他创作的《百草三味》瓷器作品荣获首届“当代十大名窑”创新奖。一件好的瓷器除了设计、用料、绘制之外，选土、拉坯、制台胎、喷釉、烧制等，需要近十个人的全力合作，才能完成。一件精品则是在几十件甚至是上百件作品中偶尔得之的。特别是青花釉里红的烧制，古有“千窑难得一件釉里红”之说，获奖的《百草三味》便是几百次烧制中得到的釉里红珍品。目前，中国瓷器被整个世界关注着。在国内近1亿的艺术品投资与收藏爱好者中，“捧瓷大军”比例居首。不管是国际还是国内，青花成为藏家关三味》获奖后，徐氏青花被誉为文人瓷器，很多人能以收藏到一件作品为荣，作注的焦点。市场上只要带一点釉里红的青花瓷就比纯青花要高上几成。当《百草品曾多次被多家机构收藏与报道。市场上每一件瓷器作品少则几万元，多达几十万元。
在市场看好的目下，徐华坦言，“真是无意插柳”的收获。他之所以喜欢青花瓷，是因为青花中所透露的是一种“初发芙蓉”般的内美，是闲、淡、高、逸、清、静、意、远的一种升华。这其中当然更是与徐华内心的艺术审美相契合，使他有种心灵相融，相见恨晚之感慨。笔者看徐氏青花将中国画文人大写意气象，抒写在瓷器当中，诗意、画意、情意、古意弥漫其中，令徐氏青花脱尽俗尘，最是一绝。与徐华聊青瓷，从古到今，真是一段愉快的“穿越”之旅。
本文结束之时，音箱里正传出周杰龙的《青花瓷》，将人带进美妙的青花世界中——素胚勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆，在瓶底书汉隶仿前朝的飘逸，就当我为遇见你伏笔……天青色等烟雨，而我在等你……月色被打捞起，晕开了结局，如传世的青花瓷自顾自美丽，你眼带笑意……
青花瓷
——泥土的生命狂想曲
文/ 席雯
200多年前，匠人将泥土团结起来，和画师一起，赋予它们灵魂。白底，青花，属于泥土的生命狂想曲被今人称为古董，也被称为国粹。有人认为，它的起源最早可以追溯到商周时期，也有认为是在唐代，而不管源于哪个朝代，它无疑都是一项属于中国的伟大发明。
目前发现最早的青花瓷标本出于唐代，成熟的青花瓷器出现在元代，明代青花成为瓷器的主流，清康熙时发展到了顶峰。如今市面上出现的青花瓷器多为明清时期的，2002年北京某拍卖公司的一件“元代青花‘鬼谷子下山’纹罐”以12亿人民币成交标志性地引爆国内“青花热”，接下来，清乾隆御制珐琅彩杏林春燕图碗、雍正官窑粉彩蝠桃纹橄榄瓶、
乾隆粉青釉浮雕芭蕉叶镂空“缠枝牡丹图”长颈 胆套瓶、成化斗彩杯等等，成交价位均堪称传说。经典艺术品人人都可以品鉴，收藏、投资它们却只是少数人的行为多数人的梦想。
周杰伦一首《青花瓷》，让很多人对传统的东西有了新的认识。 拥有一件青花瓷，不是奢侈的梦想，而是生活的品味。现代的艺术家们除保持着它本身的传统气质外，还融入了多多少少的现代元素与纯个人色彩，这些高高低低的瓶瓶罐罐从来都不乏观众，在当今火热的收藏市场上也已成为了新宠。欣赏和选购现代艺术瓷器，可算是一门很深的学问。首先得具备一定的艺术修养，学会鉴别和挑选那些艺术质量上乘的精品，即看画功是否熟练，色泽是否晶莹，装饰是否手绘等等，此外，价格、器形、颜色等也是考虑因素。至于“九方”（即胎、型、釉、彩、绘、足、款、社会和神）“五法”（即闻、问、望、切、听）是相对专业的品鉴方法了，对于入门的投资者，可以先从小一点的盘子、花瓶及陈设与实用兼而有之的茶具、酒具、文具等入手，如果达到形象美、情趣好、内涵深三点，就可以算作是一件好的艺术品。
长安新开青花一朵青花，长安——两个同样古老的词。青年艺术家徐华固执地把这两个词并列在一起，有他足迹的地方，必有这个词组如影随形。没错，是词组，在他看来，青花瓷和长安城都是有着特殊地位的，一个是在国际范畴，一个是在历史范畴，而他要做的，是把他们融为一体。
在徐华看来，几十年的国画手上功夫，为其绘制青花瓷打下了良好的基础。年轻、时尚、大胆、自信，70后的性格特质和经典传统艺术相融合，造就了一件件很有feel的作品。2009年12月，他和麻元彬共同在西安美术馆举办了“青花长安”的展览，展览作品无论是形式上还是题材上都让人眼前一亮。“原来可以这样”，“原来可以那样”——古今的冲撞为这种独特的艺术门类制造了无数种可能。
有一种人是天生对某一种事物负有责任的，徐华说，他之于青花瓷就是这样。从原始的热爱、创作冲动到器形的设计、题材的把握、表现的形式等，都能很快上手，尤其是灵感，他说，几乎不用刻意去找，因为时时都有。比如走在路上看到某个别致的建筑、走在超市看到成堆的苹果、躺在床上思索房间的摆设……和所有艺术家一样，对自己的作品，他爱到成癖，因为青花瓷从烧制、温度、摆放位置到料水的浓度，有太多不可预知的威胁因素，因而，一件成功的作品便更显的珍贵。在徐华的家里，没有特别震撼人心的作品，也没有最好的作品，“所有的都是我的宝贝，而最好的一定是要留给别人的，因为只有好东西才会传承有序。”
徐华喜欢西方哲学，也喜欢道家的观点，哲学的逻辑外化在其作品中便是严密的构图、虚实的掌控与意境的悠远与超前。因为爱，这个低调的青年自信地背负着他的使命，一点点地把“青花”与“长安”两种元素调和在一起。只有真正实践过的人才能体悟二者融合的难度，徐华说，他才刚刚起步。
谁知道，古城的黄泥土有没有在狂想中向往永恒。